Ghost in the Shell

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Fuego en el mar

 En la Cineteca Nacional se presenta en estos días Fuocoammare: Fuego en el mar, el documental de Gianfranco Rosi que ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín el año pasado y que acaba de ser nombrada como candidata al Óscar en la categoría de documental. La cinta es un desgarrador retrato de los migrantes que arriesgan su vida y muchas veces la pierden en el mar, buscando Europa. El primer territorio europeo es Lampedusa, un pequeño pueblo pesquero por el que han pasado más de 100,000 africanos en los últimos veinte años.

La película de Rosi va del mar a Lampedusa y de la isla al mar. Captura la tragedia de los migrantes que huyen de Libia, de Nigeria, de Costa de Marfil y, al mismo tiempo, la vida cotidiana de ese pequeño pueblo de pescadores. En ese flujo y reflujo de las escenas reside la fuerza de la cinta: a un paso de los ahogados, la rutina de los niños, los hábitos en las casas. La tragedia convive con el tedio. Ha dicho el director que en sus proyectos fílmicos su mayor inversión es siempre el tiempo. Nada valioso puede capturar la prisa. Rosi vivió cerca de un año en Lampedusa, más de un mes en balsas de huida. El mayor mérito de un documentalista es la conquista de la intimidad, el conocimiento profundo de los personajes que mira, la familiaridad con un paisaje.

El director no habla detrás de las imágenes como lo haría Werner Herzog con su acento. Rosi no explica, ni interpreta. Con cámara y micrófono hila una historia desoladora. Es el holocausto de nuestra era. Embarcaciones repletas de africanos sin comida, sin agua y sin oxígeno. Llamados de desesperación para el rescate que no llega. Abrazos en el sótano de la asfixia. Barcos de la muerte. Al mismo tiempo, la cinta nos da respiro contándonos una historia ordinaria. El espectador toma oxígeno cuando la pantalla regresa a la tierra para presentarnos lo trivial. Un niño crece, brinca entre los montes, trepa los árboles, dispara con su resortera. No hay, en apariencia, mayor conexión entre el niño que juega y los balseros que sobreviven o mueren. Nunca se cruzan esas miradas y, sin embargo, hay un puente que es la modesta conciencia de la cinta: el médico que atiende al muchacho y que revisa también los signos vitales de quienes han logrado alcanzar la costa con vida. El médico, el hombre que toca la vida y la muerte, es el mediador entre lo insoportable y lo habitual.

Rosi, el antiherzog, como algunos lo han descrito, sabe callar. Un silencio largo acompaña los últimos minutos de la cinta. Ninguna palabra tendría sentido ante lo que ojos nos muestran.

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COINCIDEN MARTIN SCORSESE Y RIDLEY SCOTT: EL CINE ESTÁ MUERTO

SCORSESE Y RIDLEY SCOTT CRITICAN EL CINE ACTUAL, EN EL CUAL HAY POCAS BUENAS HISTORIAS Y LA MAYORÍA DE LAS PELÍCULAS SE PARECEN A UN PARQUE DE ATRACCIONES

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Martin Scorsese y Ridley Scott son dos de los directores más reconocidos de una generación que todavía hacía películas de alta factura estética con el apoyo de los grandes estudios, algo que ahora está prácticamente en extinción. 

Scorsese dijo en una reciente entrevista “El cine ya no existe. El cine con el que crecí y el cual sigo haciendo, ya no existe”.  Scorsese explica más detalladamente:

Los cines siempre estarán ahí para una experiencia comunal, no hay duda de ello. Pero,¿qué tipo de experiencia será? ¿Será siempre ir a ver un película de parque de atracciones? Sueno como un hombre viejo, que lo soy. La pantalla grande para nosotros en los 50 era ver westerns como Lawrence de Arabia y de ahí la experiencia especial de 2001: Odisea en el Espacio, en 1968. O la experiencia de ver Vertigo y The Searchers en VistaVision.

Scorsese cree que el cine ha perdido importancia con la proliferación de imágenes en las pantallas de los gadgets y critica la sobredependencia de los actuales directores en la tecnología.

Por su parte, Ridley Scott dijo en otra entrevista “El cine mayormente es de mala calidad”. Scott culpa las películas de superhéroes y las malas historias. En el 2015, por ejemplo, sólo dos historias originales estuvieron entre las 10 películas más vistas del año (una de ellas fue The Martian de Scott) todas las demás fueron franquicias ya establecidas.

¿Qué piensan, se trata solamente de la visión de dos viejos que siempre pensarán que el pasado fue mejor? ¿O realmente estamos en una época de decadencia cultural? Lo que es indudable es que el cine que domina las carteleras en la mayoría de los países es un cine extremadamente comercial, sensacionalista incluso, lleno de persecuciones, animación por computadora, clichés y poca sustancia. Seguramente el buen cine sigue existiendo, pero el espectador debe hacer un esfuerzo grande para encontrarlo, de otra manera simplemente no llega a él.

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¿”LA LA LAND” TE PARECIÓ MUY INGENUA? ¿QUÉ TAL SI LA HUBIERA DIRIGIDO DAVID LYNCH? (VIDEO)

¿ES POSIBLE LLEVAR EL ESTILO SOMBRÍO Y CONFUSO DE DAVID LYNCH AL TERRITORIO COLORIDO DE “LA LA LAND”?

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Entre los éxitos cinematográficos más recientes, el neo-musical La La Land (Damien Chazelle, 2016) es posiblemente el que más ha llamado la atención y, sobre todo, sobre el cual se ciernen las opiniones más divididas, pues mientras que unos lo consideran un filme notable en prácticamente todos los rubros que hacen una buena película, para otros no es más que un pastiche ingenuo y hecho a la medida para cosechar triunfos.

Y podría decirse que así pasa, en general, con todo aquello que conquista a las multitudes. Muchas veces una obra creativa puede oscilar entre el arte auténtico y el producto cuidadosamente diseñado, entre la originalidad y la fórmula, la disrupción o la preservación.

¿Pero y qué si fuera de otro modo? ¿Podría La La Land contener el germen de una obra aún mayor? ¿Una pieza modesta o mediocre puede convertirse en una obra maestra?

En parte esas son las preguntas que podrían hacerse a propósito del video que ahora compartimos: una reinterpretación de dicha película pero bajo el estilo inconfundible de David Lynch, autor, como sabemos, de películas sombrías y confusas, e incuestionablemente originales.

El cruce, sin duda, es por lo menos inesperado, pues no parece sencillo imaginar La La Land convertida en algo como Blue Velvet.

¿O sí?

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INGENIO, TÉCNICA, MAGIA: ASÍ SE HACÍAN LOS EFECTOS ESPECIALES EN TIEMPOS DEL CINE MUDO (GIFS)

PONIENDO EN JUEGOS TODOS LOS RECURSOS DEL CINE, PERSONAJES COMO CHAPLIN O BUSTER KEATON CONSIGUIERON CREAR MAGIA AUTÉNTICA EN LA PANTALLA.

 

Desde hace unas décadas, cierto tipo de producción cinematográfica ha hecho de los llamados “efectos especiales” una cualidad de las películas de géneros como la acción, la ficción científica y a veces también el horror. El avance de la tecnología ha contribuido notablemente en el desarrollo de dicha característica, pero no menos cierto es que también ha provocado cierto enviciamiento entre los espectadores, quienes a veces pueden llegar a juzgar una película casi exclusivamente “por sus efectos”, si estos son creíble o no, si vuelven fiable la destrucción de una planeta o una batalla de naves espaciales.

El cine, sin embargo, es mucho más que los montajes que se hacen en la pantalla de una computadora. Como prueba de ello, presentamos ahora una serie de GIFs realizados por el usuario Auir2blaze de la red social reddit, quien se encargó de desmenuzar los secretos del cine silente en escenas emblemáticas que, hasta la fecha, son capaces de asombrarnos.

 

En los GIFs es posible entender esos efectos que mucho tienen de magia primigenia, pues con nada más que recursos técnicos y ópticos, los primeros cineastas lograron confundir al público, de la misma manera que hace un prestidigitador o, en otra época, los pintores que recurrieron al trompe l’oeil. Veamos.

En Safety Last! (1923), la posición de la cámara creó un engaño de perspectiva mediante el cual parece que Bustear Keaton efectivamente está a punto de caer desde una gran altura.

Una escena icónica de Modern Times (1936), en la cual, sin embargo, Chaplin nunca estuvo en peligro, pues en realidad los pisos inferiores del centro comercial se pintaron sobre un pedazo de cristal puesto a su vez frente a la cámara.

En The Black Pirate (1926), un sistema de contrapesos hizo posible la caída dramática de Douglas Fairbanks a lo largo de la vela de una navío.

Este siniestro baile de ojos de la actriz Colleen Moore se consiguió filmando por separado el movimiento de cada uno, con ayuda de un cristal pintado de negro. La escena pertenece a la película Ella Cinders (1926).

¿Cómo hacer que una misma persona apareciera como su propio doble en la misma secuencia? En Little Lord Fauntleroy (1921), el cinematógrafo Charles Rosher ideó un sistema en el que sobre la superficie de un cristal se pintó, en silueta, el perfil de la actriz Mary Pickford, con tanto detalle como fue posible; en la secuencia, Pickford se movió detrás de este, al tiempo que la cámara permanecía fija sobre una estructura metálica. Según se sabe, este truco que tomó 15 horas de trabajo, resultó en una secuencia de 3 segundos.

Los filtros también son un elemento importantísimo en el cine. Uno de sus usos más ingeniosos ocurrió en Ben-Hur (1925), la segunda adaptación fílmica de la novela homónima de Lew Wallace (1880). Ahí, el cambio de filtros operó el “milagro” de Jesucristo curando a un par de leprosas.

 

Otra escena icónica del cine siente: Buster Keaton cruzando un puente interrumpido gracias al paso coincidente de dos camiones. La escena resultó de la unión de dos grabaciones distintas: una en la que Keaton conduce normalmente sobre el puente y otra de los dos camiones transitando por debajo.

 

“El arte es magia liberada de la mentira de ser verdad”, escribió alguna vez Theodor W. Adorno, algo que en esa época del cine se cumplió de forma inmejorable.

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ESTE ES EL TRAILER DE BLADE RUNNER 2049 (VIDEO)

EL ESPERADO TRAILER DE LA SECUELA DE BLADE RUNNER.

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Blade Runner 2049, la secuela del gran clásico de Ridley Scott, acaba de dar a conocer su trailer. Se trata de lo que se conoce como un teaser-trailer, donde sobre todo se revela el look and feel, la atmósfera en general y se busca generar más expectativa.

La película se estrenará en el 2017 y cuenta con las actuaciones de Harrison Ford (quien regresa como Rick Deckard) Ryan Gosling, Robin Wright, Dave Bautista, Mackenzie Davis, Jared Leto y la guapa actriz cubana Ana de Armas.

 

El llamado a cargar los fantasmas de Ridley Scott es Dennis Villeneuve, el director canadiense que se ha convertido en la gran promesa del cine contemporáneo de ciencia ficción con películas recientes como The Arrival. Lograr satisfacer las expectativas de los fans será sumamente difícil, especialmente ya que la primera versión a fin de cuentas está basada directamente en la genialidad del escritor Philip K. Dick y en este caso (aunque no sabemos bien los detalles de la historia), se trata de una reanudación de la trama 30 años después.

 

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El insoportable Walt Disney

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Da miedo pensarlo sí, pero quizá no haya artista más influyente en nuestra triste época que Walt Disney. Él mismo era consciente de su fama: “Soy un líder, soy un pionero, soy el más grande de los hombres de nuestro tiempo. He creado un universo. Mi fama sobrevivirá a los siglos”. Y añadió, adelantándose a los Beatles: “Más gente conoce mi nombre que el de Jesucristo”.

Cuando hablo de influencia, me refiero a influencia directa sobre la psique de la masa y, en concreto, de la masa infantil, que es la más influenciable de todas. Desde antes de la II Guerra Mundial, casi es inimaginable pensar en un niño, en occidente o en oriente, sometido al imperio audiovisual y cuyo imaginario no se halle repleto de patos parlanchines, perros idiotas, ratones superdotados y demás fauna mitológica en dos dimensiones. Puede parecer exagerado, pero los tópicos que animan el subsuelo de las películas de Disney forman los cimientos ideológicos de la ideología dominante, la misma que ha disfrazado la esclavitud, la injusticia y la opresión bajo un estandarte de libertad suprema.

Ahí está, sin ir más lejos, el sistema patriarcal de Disney, esas dóciles muchachitas cuya felicidad depende de la protección de un macho; esas mujeres supeditadas a la función de madre o de esposa y cuya mejor encarnación es la bella durmiente esperando pacientemente el beso de un príncipe que la saque de la desidia de su propia vida. No menos terrorífica es su división maniquea entre buenos y malos, donde los primeros suelen ser guapos, altos y rubios, y los segundos feos y jorobados; las excepciones, como los siete enanitos, siguen a rajatabla las enseñanzas de la eugeneseia nacionalsocialista: si tienen que vivir, mejor que sean asexuados.

 

Hablar de nazismo en relación al tío Walt no es mear fuera del tiesto: hace mucho que salieron a la luz sus tempranas simpatías hacia organizaciones fascistas. De su fobia al comunismo dan fe sus denuncias de colegas izquierdistas y su estrecha colaboración con el malévolo cerebro del FBI, Edgar Hoover, que culminaron en su vergonzosa delación ante el Comité de Actividades Antiamericanas durante la Caza de Brujas. En El americano perfecto (la novela de Peter Stephan que esconde en su interior una biografía atroz igual que el maletero de un coche esconde una bomba) emerge el lado oscuro de Disney: un jefe racista y machista que no permitía que en sus estudios trabajaran mujeres, negros ni judíos, un empresario tiránico que abusaba de sus empleados, se aprovechaba sin el menor escrúpulo del talento de sus mejores dibujantes y odiaba a los sindicalistas. Hoy se sabe que el primer boceto de Mickey Mouse ni siquiera lo esbozó él y que ni siquiera su firma era suya.

En un fragmento no muy conocido de su enorme y proteica obra, Walter Benjamin reflexiona sobre Mickey Mouse y, entre otras brillantes intuiciones, advierte: “Todas las películas de Mickey Mouse se basan en el tema de irse de casa para descubrir qué es el miedo. Por tanto, la explicación del enorme éxito de estas películas no se debe a la técnica, a la forma; tampoco se trata de un equívoco. Se da simplemente por el hecho de que el público reconoce ahí su propia vida”. Más adelante había sido todavía más explícito: “Mickey Mouse demuestra que una criatura puede sobrevivir aunque esté privada del aspecto humano. Destruye la jerarquía completa de las criaturas que, se supone, culmina en la humanidad”.

De todas las farsas y mentiras con que está construida la leyenda de Walt Disney la más persistente es la que asegura que está criogenizado, a la espera de una resurrección. En realidad, aunque está enterrado en el cementerio de Forest Lawn, en Glendale, California, es el único cineasta que sigue haciendo películas después de muerto.

DAVID TORRES

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LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DEL 2016

Un año con intensas películas que nos hablaron de la moral humana como un lugar lejano, un sitio físico para proyectarse en la pantalla, casi inalcanzable, al que hay que llegar tras un largo viaje; ya sea una road movie externa o psicológicamente interna. Personajes que cambian mirándose a sí mismos, indagándose, entendiéndose y aceptándose, para finalmente poder trascender la neurosis.

10. La academia de las musas (José Luis Guerín)  

Una reflexión metafísica sobre el deseo y el amor platónico. Guerín articula mejor que nunca el documental como una ficción, para cambiar los roles del entorno y crear laberintos internos en sus personajes, que se recorren en sus relaciones interpersonales.  

 

9. Entretenimiento (Rick Alverson)

Una crítica del american way of life como stand up comedy llena de humor negro. Una road movie que se apoya en el talentoso Neil Hamburguer como sátiro que indaga la realidad tras las apariencias, con ayuda de la violencia verbal, viviendo todas las sutiles violencias pasivas del sistema.  

 

8. El abrazo de la serpiente (Ciro Guerra)

Una épica cinta de aventuras ecológica, que nos presenta a las culturas indígenas como portadoras de la medicina que nos puede salvar de la destrucción contemporánea. Ciro Guerra había sorprendido con su anterior cinta Los viajes del viento (2009) que exploraba el espíritu colombiano en todo su territorio por medio de la música de un acordeón, ahora salta a una obra universal que explora al Amazonas como joya de la humanidad que hay que proteger.

 

7. Las mil y una noches (Miguel Gomes)

El conjunto de cintas que constituyen un único discurso de cómo enfrentar la crisis financiera con imaginación, apoyándose en un lenguaje que el sistema tecnócrata no entiende: el arte clásico universal; para desarrollar la espiritualidad dentro del desempleo y problemas similares que aquejan al individuo actual en este mundo globalizado.

 

6. La bruja (Robert Eggers)

En apariencia una sencilla cinta de terror sobre la paranoia sexual dentro de la familia, donde se alojan los problemas de una comunidad, proponiendo a la brujería como la manera de expresión ancestral femenina que ha sido negada por siglos.

 

5. El Caballero de Copas (Terrence Malick)

Una genial obra maestra existencial, que nos habla de lo antiguo en lo nuevo y cómo encontrarlo. Una exploración personal esotérica apoyada en los arcanos del tarot como ventanas al infinito, a verdades inmutables. La sexualidad como escalera al cielo o túnel hacia el infierno, la escritura como liberación astral.   

 

4. El demonio neón (Nicolas Winding Refn)

Una experiencia estética que plantea a la vanidad como uno de los demonios que tienen atrapada a la sociedad global. El discurso plástico taladra el inconsciente y la magia no se hace esperar en la sala oscura del cine, poesía visual y auditiva que nos lleva lejos dentro de nosotros mismos.

 

3. La langosta (Yorgos Lanthimos)

Película que elabora una absurda ciencia ficción, que proyecta los dos caminos que se abren en este nuevo siglo para el individuo, ser parte del sistema o rebelarse de la forma más ingeniosa que se pueda concebir. Los mitos griegos se uniforman a la moda, en pasillos de Aldous Huxley.

 

2. Anomalisa (Charlie Kaufman, Duke Johnson)

Joya artesanal animada existencial que indaga sobre el amor y el erotismo, sus fronteras, sus confluencias, sus contradicciones. ¿Qué hay del otro lado del arcoíris? Por lo general imaginamos que el pasado era mejor, que algo hicimos mal, que hay algo que recuperar, cuando en realidad el presente es lo único que hemos tenido siempre, quizás es hora de aprenderlo a disfrutar.

 

1. La llegada (Denis Villeneuve)

Brillante fabula metafísica, vestida de ciencia ficción, con impresionante manufactura. Elefantes alienígenas que desaparecen tras dejar en claro que todo reside en el interior de todo integrante de la humanidad, el tiempo y la memoria crean realidades, aunque en realidad no existan.

 

Twitter del autor: @psicanzuelo

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El cine según Hitchcock (Fragmento)

“Lo que me emocionó aquella tarde, al volver a ver todos esos trozos de películas que recordaba de memoria, pero por una noche aislados de su contexto, fue a la vez la sinceridad y la brutalidad de la obra hitchcockiana. Era imposible no ver que todas las escenas de amor estaban filmadas como escenas de asesinato y todas las escenas de asesinato, como escenas de amor. Yo conocía esa obra, creía conocerla muy bien y me quedé anonadado ante lo que veía. En la pantalla todo eran manchas, juegos de artificio, eyaculaciones, suspiros, estertores, gritos, pérdidas de sangre, lágrimas, puñetazos torcidos, y me pareció que en el cine de Hitchcock, decididamente más sexual que sensual, hacer el amor y morir eran la misma cosa.”

François Truffaut
El cine según Hitchcock

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