ESTE ARTISTA TURCO TRANSFORMA ESCENAS CLÁSICAS DEL CINE EN ANTIGUAS PINTURAS OTOMANAS

ESTE INCREÍBLE TRABAJO TRANSPORTA A PERSONAJES MEMORABLES DE LA PANTALLA GRANDE A PRECIOSAS PINTURAS EN MINIATURA

El ilustrador y artista turco Murat Palta comenzó hace un tiempo a realizar estas preciosas ilustraciones basadas en escenas de famosas películas con el estilo que caracteriza a la miniatura otomana.

Por Fethullah Çelebi Arifi (Historiador, poeta y pintor) y/o Matrakçı Nasuh (pintor y paisajista) y/o otros pintores en la corte de Sultan Suleiman, el magnífico -Süleymanname MS. H. 1517, f. 149a, Topkapi Lib. Estambul; escaneado de la reproduccion de “A story of history” de Arnold Toynbee, dominio público

 

Este estilo se remonta al imperio otomano. Antiguamente, las pinturas en miniatura no solían tener la firma de su autor; de hecho, eran producto del trabajo colectivo. Un maestro concebía el orden de las figuras, la perspectiva y composición general de la escena; luego, sus discípulos ejecutaban el trazo con tinta negra y más adelante otro grupo terminaba de colorearlo.

Para esta tradición la perspectiva es entendida de un modo muy diferente, pues la sensación de aplanamiento de los personajes, fondos y objetos es a propósito. Un mismo cuadro puede representar, como vemos en estos ejemplos, distintos momentos y lugares.

El rechazo a una representación completamente realista se explica por la visión del sufismo, una forma mística del islam que fue ampliamente practicada durante el imperio. Para sus devotos las figuras de todos los seres, vivos y no vivos, era inestable y se encontraba en constante cambio, por lo que no valía la pena gastar tanto esfuerzo en representarlos con exactitud.

 

 

En 2011, Palta realizó su primera miniatura con este estilo utilizando a personajes y entornos de Star Wars, todo como parte de un experimento para su tesis, en el que se proponía mezclar la tradición oriental con el cine occidental contemporáneo. Fue tal el éxito obtenido que decidió continuar con el experimento y pintar a otros personajes clásicos de la pantalla con este estilo.

 

Star Wars

 

 

La naranja mecánica

 

 

Alien

 

 

 

Buenos muchachos

 

 

 

El origen

 

 

 

Kill Bill

 

 

 

 

Pulp Fiction

 

 

 

Scarface

 

 

 

Terminator II

 

 

 

El padrino

 

 

 

El resplandor

 

 

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Secretos

A Paterson, el personaje de la película de Jim Jarmusch, lo mejor que le ocurre es que todo siga igual

Un momento de 'Paterson', la película de Jim Jarmusch.
Un momento de ‘Paterson’, la película de Jim Jarmusch.

 

En Paterson, la película de Jim Jarmusch, un conductor de autobús es poeta en la intimidad. Un asunto delicado, el de conducir un autobús pensando en versos. Pero Paterson (Adam Driver) lo resuelve bien: escribe antes de empezar la ruta, guarda su cuaderno secreto y conduce. Como vi la película sin saber de qué trataba, fui de sobresalto en sobresalto esperando que al autobús se subiese Keanu Reeves, que al perro lo secuestrasen unos raperos, que su novia muriese metiendo la cabeza en el horno por vigilar sus cupcakes. Pero como en la vida, en la película siempre está a punto de pasar algo mientras está pasando todo.

Paterson es una versión menos rockera que American Beauty, que anunciaba poesía de lo cotidiano con una bolsa de basura en movimiento mientras se sucedía la prosa habitual de la crisis de los 40: drogas, sexo con adolescentes y asesinatos. Así que ahora, cuando mi generación se aproxima como un tren a la edad de Lester Burham pero ya con todos los deberes hechos, aparece una poética diferente, más artística y por tanto más real.

La novia de Paterson, por ejemplo, es devota del blanco y negro, sueña con gemelos y le anima a hacer una copia de sus versos para que su obra esté segura; Paterson, mientras, ve gemelos todo el rato y se encuentra al final con su reflejo oriental en el espejo, tan admirador como él del poeta William Carlos Williams. La película entera es un poema de éste último, desgraciado spoiler para sus lectores. O instrucciones para un poema, mucho mejor dicho por Xaime Martínez en Playground.

Paterson es una historia feliz porque de algún modo al final se cae en que el protagonista es un poeta cuyo oficio clandestino, a fuerza de exhibirlo, es el de conductor de autobús, como todos nosotros. Y se agradece que sonría sin necesidad de acariciarle el lomo: la rutina suele ser maltratada en el cine y fuera de él, señalada con adjetivos condescendientes y paternalistas. Así que a ese hombre que siempre parece que le va a ocurrir algo, la gloria o el crimen, lo mejor que le ocurre es que todo sigue igual. Que eso se interprete como felicidad y no como resignación es uno de los éxitos de la película. Otro de los éxitos es acabar de verla sin saber qué se ha visto; la película también enseña que el desconcierto está infravalorado.

Paterson empieza con Adam Driver despertándose. Lo hace de lunes a viernes de forma natural entre las 6.15 y las 6.30. Es lo que más turbación produce: esa placidez es casi una deriva.

MANUEL JABOIS

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Ghost in the Shell

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¿”LA LA LAND” TE PARECIÓ MUY INGENUA? ¿QUÉ TAL SI LA HUBIERA DIRIGIDO DAVID LYNCH? (VIDEO)

¿ES POSIBLE LLEVAR EL ESTILO SOMBRÍO Y CONFUSO DE DAVID LYNCH AL TERRITORIO COLORIDO DE “LA LA LAND”?

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Entre los éxitos cinematográficos más recientes, el neo-musical La La Land (Damien Chazelle, 2016) es posiblemente el que más ha llamado la atención y, sobre todo, sobre el cual se ciernen las opiniones más divididas, pues mientras que unos lo consideran un filme notable en prácticamente todos los rubros que hacen una buena película, para otros no es más que un pastiche ingenuo y hecho a la medida para cosechar triunfos.

Y podría decirse que así pasa, en general, con todo aquello que conquista a las multitudes. Muchas veces una obra creativa puede oscilar entre el arte auténtico y el producto cuidadosamente diseñado, entre la originalidad y la fórmula, la disrupción o la preservación.

¿Pero y qué si fuera de otro modo? ¿Podría La La Land contener el germen de una obra aún mayor? ¿Una pieza modesta o mediocre puede convertirse en una obra maestra?

En parte esas son las preguntas que podrían hacerse a propósito del video que ahora compartimos: una reinterpretación de dicha película pero bajo el estilo inconfundible de David Lynch, autor, como sabemos, de películas sombrías y confusas, e incuestionablemente originales.

El cruce, sin duda, es por lo menos inesperado, pues no parece sencillo imaginar La La Land convertida en algo como Blue Velvet.

¿O sí?

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ESTE ES EL TRAILER DE BLADE RUNNER 2049 (VIDEO)

EL ESPERADO TRAILER DE LA SECUELA DE BLADE RUNNER.

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Blade Runner 2049, la secuela del gran clásico de Ridley Scott, acaba de dar a conocer su trailer. Se trata de lo que se conoce como un teaser-trailer, donde sobre todo se revela el look and feel, la atmósfera en general y se busca generar más expectativa.

La película se estrenará en el 2017 y cuenta con las actuaciones de Harrison Ford (quien regresa como Rick Deckard) Ryan Gosling, Robin Wright, Dave Bautista, Mackenzie Davis, Jared Leto y la guapa actriz cubana Ana de Armas.

 

El llamado a cargar los fantasmas de Ridley Scott es Dennis Villeneuve, el director canadiense que se ha convertido en la gran promesa del cine contemporáneo de ciencia ficción con películas recientes como The Arrival. Lograr satisfacer las expectativas de los fans será sumamente difícil, especialmente ya que la primera versión a fin de cuentas está basada directamente en la genialidad del escritor Philip K. Dick y en este caso (aunque no sabemos bien los detalles de la historia), se trata de una reanudación de la trama 30 años después.

 

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El insoportable Walt Disney

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Da miedo pensarlo sí, pero quizá no haya artista más influyente en nuestra triste época que Walt Disney. Él mismo era consciente de su fama: “Soy un líder, soy un pionero, soy el más grande de los hombres de nuestro tiempo. He creado un universo. Mi fama sobrevivirá a los siglos”. Y añadió, adelantándose a los Beatles: “Más gente conoce mi nombre que el de Jesucristo”.

Cuando hablo de influencia, me refiero a influencia directa sobre la psique de la masa y, en concreto, de la masa infantil, que es la más influenciable de todas. Desde antes de la II Guerra Mundial, casi es inimaginable pensar en un niño, en occidente o en oriente, sometido al imperio audiovisual y cuyo imaginario no se halle repleto de patos parlanchines, perros idiotas, ratones superdotados y demás fauna mitológica en dos dimensiones. Puede parecer exagerado, pero los tópicos que animan el subsuelo de las películas de Disney forman los cimientos ideológicos de la ideología dominante, la misma que ha disfrazado la esclavitud, la injusticia y la opresión bajo un estandarte de libertad suprema.

Ahí está, sin ir más lejos, el sistema patriarcal de Disney, esas dóciles muchachitas cuya felicidad depende de la protección de un macho; esas mujeres supeditadas a la función de madre o de esposa y cuya mejor encarnación es la bella durmiente esperando pacientemente el beso de un príncipe que la saque de la desidia de su propia vida. No menos terrorífica es su división maniquea entre buenos y malos, donde los primeros suelen ser guapos, altos y rubios, y los segundos feos y jorobados; las excepciones, como los siete enanitos, siguen a rajatabla las enseñanzas de la eugeneseia nacionalsocialista: si tienen que vivir, mejor que sean asexuados.

 

Hablar de nazismo en relación al tío Walt no es mear fuera del tiesto: hace mucho que salieron a la luz sus tempranas simpatías hacia organizaciones fascistas. De su fobia al comunismo dan fe sus denuncias de colegas izquierdistas y su estrecha colaboración con el malévolo cerebro del FBI, Edgar Hoover, que culminaron en su vergonzosa delación ante el Comité de Actividades Antiamericanas durante la Caza de Brujas. En El americano perfecto (la novela de Peter Stephan que esconde en su interior una biografía atroz igual que el maletero de un coche esconde una bomba) emerge el lado oscuro de Disney: un jefe racista y machista que no permitía que en sus estudios trabajaran mujeres, negros ni judíos, un empresario tiránico que abusaba de sus empleados, se aprovechaba sin el menor escrúpulo del talento de sus mejores dibujantes y odiaba a los sindicalistas. Hoy se sabe que el primer boceto de Mickey Mouse ni siquiera lo esbozó él y que ni siquiera su firma era suya.

En un fragmento no muy conocido de su enorme y proteica obra, Walter Benjamin reflexiona sobre Mickey Mouse y, entre otras brillantes intuiciones, advierte: “Todas las películas de Mickey Mouse se basan en el tema de irse de casa para descubrir qué es el miedo. Por tanto, la explicación del enorme éxito de estas películas no se debe a la técnica, a la forma; tampoco se trata de un equívoco. Se da simplemente por el hecho de que el público reconoce ahí su propia vida”. Más adelante había sido todavía más explícito: “Mickey Mouse demuestra que una criatura puede sobrevivir aunque esté privada del aspecto humano. Destruye la jerarquía completa de las criaturas que, se supone, culmina en la humanidad”.

De todas las farsas y mentiras con que está construida la leyenda de Walt Disney la más persistente es la que asegura que está criogenizado, a la espera de una resurrección. En realidad, aunque está enterrado en el cementerio de Forest Lawn, en Glendale, California, es el único cineasta que sigue haciendo películas después de muerto.

DAVID TORRES

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LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DEL 2016

Un año con intensas películas que nos hablaron de la moral humana como un lugar lejano, un sitio físico para proyectarse en la pantalla, casi inalcanzable, al que hay que llegar tras un largo viaje; ya sea una road movie externa o psicológicamente interna. Personajes que cambian mirándose a sí mismos, indagándose, entendiéndose y aceptándose, para finalmente poder trascender la neurosis.

10. La academia de las musas (José Luis Guerín)  

Una reflexión metafísica sobre el deseo y el amor platónico. Guerín articula mejor que nunca el documental como una ficción, para cambiar los roles del entorno y crear laberintos internos en sus personajes, que se recorren en sus relaciones interpersonales.  

 

9. Entretenimiento (Rick Alverson)

Una crítica del american way of life como stand up comedy llena de humor negro. Una road movie que se apoya en el talentoso Neil Hamburguer como sátiro que indaga la realidad tras las apariencias, con ayuda de la violencia verbal, viviendo todas las sutiles violencias pasivas del sistema.  

 

8. El abrazo de la serpiente (Ciro Guerra)

Una épica cinta de aventuras ecológica, que nos presenta a las culturas indígenas como portadoras de la medicina que nos puede salvar de la destrucción contemporánea. Ciro Guerra había sorprendido con su anterior cinta Los viajes del viento (2009) que exploraba el espíritu colombiano en todo su territorio por medio de la música de un acordeón, ahora salta a una obra universal que explora al Amazonas como joya de la humanidad que hay que proteger.

 

7. Las mil y una noches (Miguel Gomes)

El conjunto de cintas que constituyen un único discurso de cómo enfrentar la crisis financiera con imaginación, apoyándose en un lenguaje que el sistema tecnócrata no entiende: el arte clásico universal; para desarrollar la espiritualidad dentro del desempleo y problemas similares que aquejan al individuo actual en este mundo globalizado.

 

6. La bruja (Robert Eggers)

En apariencia una sencilla cinta de terror sobre la paranoia sexual dentro de la familia, donde se alojan los problemas de una comunidad, proponiendo a la brujería como la manera de expresión ancestral femenina que ha sido negada por siglos.

 

5. El Caballero de Copas (Terrence Malick)

Una genial obra maestra existencial, que nos habla de lo antiguo en lo nuevo y cómo encontrarlo. Una exploración personal esotérica apoyada en los arcanos del tarot como ventanas al infinito, a verdades inmutables. La sexualidad como escalera al cielo o túnel hacia el infierno, la escritura como liberación astral.   

 

4. El demonio neón (Nicolas Winding Refn)

Una experiencia estética que plantea a la vanidad como uno de los demonios que tienen atrapada a la sociedad global. El discurso plástico taladra el inconsciente y la magia no se hace esperar en la sala oscura del cine, poesía visual y auditiva que nos lleva lejos dentro de nosotros mismos.

 

3. La langosta (Yorgos Lanthimos)

Película que elabora una absurda ciencia ficción, que proyecta los dos caminos que se abren en este nuevo siglo para el individuo, ser parte del sistema o rebelarse de la forma más ingeniosa que se pueda concebir. Los mitos griegos se uniforman a la moda, en pasillos de Aldous Huxley.

 

2. Anomalisa (Charlie Kaufman, Duke Johnson)

Joya artesanal animada existencial que indaga sobre el amor y el erotismo, sus fronteras, sus confluencias, sus contradicciones. ¿Qué hay del otro lado del arcoíris? Por lo general imaginamos que el pasado era mejor, que algo hicimos mal, que hay algo que recuperar, cuando en realidad el presente es lo único que hemos tenido siempre, quizás es hora de aprenderlo a disfrutar.

 

1. La llegada (Denis Villeneuve)

Brillante fabula metafísica, vestida de ciencia ficción, con impresionante manufactura. Elefantes alienígenas que desaparecen tras dejar en claro que todo reside en el interior de todo integrante de la humanidad, el tiempo y la memoria crean realidades, aunque en realidad no existan.

 

Twitter del autor: @psicanzuelo

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ESTE ES EL IMPRESIONANTE TRÁILER COMPLETO DE “GHOST IN THE SHELL”, PROTAGONIZADA POR SCARLETT JOHANSSON

UNA DE LAS PELÍCULAS MÁS ANTICIPADAS DA UNA MUESTRA DE LO QUE SERÁ CON SU TRÁILER OFICIAL

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El remake del clásico del cyberpunk anime Ghost in the Shell se estrenará a principios del 2017 y hace un par de días se dio a conocer el tráiler oficial, el cual es una de las tendencias actuales en la Red.

La imágenes se ven estéticamente impresionantes, con una poderosa animación y una segura dosis de emociones.  

 

La película he generado mucha controversia por el casting de Scarlett Johansson, quien lleva el papel central de Motoko Kusanagi. Se ha acusado a los realizadores de hacer un “whitewashing“, esto es, de alterar la etnicidad original de la cinta japonesa para satisfacer los paradigmas de la belleza occidental. Sin embargo, el director Rupert Sanders ha defendido su casting, señalando que fue intuitivo y que Scarlett era la elección perfecta ya que su carrera ya la tiene empapada de la temática y la estética que buscaba, un tanto más “edgy“. Sanders ha elogiado la capacidad de Scarlett de personificar un androide y tomar un cuerpo sintético.

La actriz encarna el personaje de una chica cibernéticamente aumentada que encabeza la organización contraterrorista Seguridad Pública Sección 9 en un distópico Japón del siglo XXI. Originalmente Ghost in the Shell fue filmada en 1995 y creada como manga en 1989. Su influencia en películas como The Matrix es enorme y contiene un notable discurso que reflexiona sobre el transhumanismo y lo que alguien ha llamado “tecnointeligencias angelicales”.

Existe una enorme expectativa por ver el clásico de Masamune Shirow, uno de los mangas más influyentes en la historia de la ciencia ficción reciente, habiendo sido citado en innumerables películas y demás piezas que hemos visto en los últimos años. 

 

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MIRA EL DETRÁS DE CÁMARAS DE LA LEGENDARIA PELÍCULA “THE WALL” DE PINK FLOYD (FOTOS)

UN EMOTIVO DOCUMENTO VISUAL ALREDEDOR DE UNA DE LAS PIEZAS CINEMATOGRÁFICAS MÁS IMPACTANTES DE LAS ÚLTIMAS DÉCADAS

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Pocos contenidos han impactado más el imaginario, al menos la porción contracultural de éste, durante las últimas décadas que la película británica de Pink Floyd – The Wall (1982), inspirada en el álbum doble del mismo nombre que se había estrenado 3 años antes. Dirigida por Alan Parker, y con un guión de Roger Waters (bajista y líder de la banda), este filme amplificó un mensaje contundente en contra del muro de Berlín, pero sobre todo en contra de un sistema que no sólo se materializaba en cada ladrillo de la muralla sino que ha llevado los rumbos de la humanidad a lugares oscuros: control, represión, manipulación, etcétera.

Las imágenes de The Wall quedaron, y seguirán, impresas en más de una generación, las sombras, el delirio, los gritos de una sociedad asqueada ante un escenario social y político insostenible. Por eso este material fotográfico, el “detrás de cámaras”, es un documento que alimenta las memorias indelebles que la película nos dejó a tantos; un recordatorio, un estimulo para revivir esa confrontación cultural, antisistémica, que se registró hace unos años y que, lamentablemente, es una lucha que aún goza de plena vigencia y que nos corresponde a todos continuar o incluso consumar.  

 

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