“Ecuación 7”
Pablo de Rokha en Ecuación (1929), incluido en Antología de la poesía latinoamericana de vanguardia (1916-1935) (Ediciones Hiperión, Madrid, 2003, ed. de Mihai G. Grünfeld).
https://franciscocenamor.blogspot.mx
Punto de partida: Como un disco viejo [acerca de ‘Tres impresiones’ de Mario Arteca]
“¡No me vengan con conclusiones!”
Lisbon Revisited, Fernando Pessoa
“…enchanting tune and mysterious, possibly half-baked words”
Philip Larkin
(acerca de “Desolation Row” de Bob Dylan
editada en el álbum Highway 61 Revisited)
Cada libro de Mario Arteca es una arquitectura del asombro. Y no estoy diciendo zalamerías acordes a un gusto (sea el mío y/o el de tantos otros). No me interesa publicitar sentimientos así como tampoco el reseñismo de plantillas en serie. La idea es asomarnos a las Tres impresiones que acaba de publicar Añosluz editora y dejar que el texto diga (eructe, gruña, gorjee) algo de su afuera.
Se trata de tres libros reunidos: La impresión de un folleto, Hexágono y Diagonal, Nuevas impresiones, en los que el centro gravitacional es la pintura. Ahora bien ¿qué pintura? Podríamos pensarlo como aquello que se plasma y sobrevive a su evento. Un acto programado para desaparecer en breve se rebela y cambia, inexplicablemente, al carril de un ritmo más pausado y evita nada menos que la destrucción. Un folleto del Instituto Di Tella de los años 60, dimensiones y materiales, palabras que se desplazan del set de filmación a la trinchera real y viceversa.
Las pinturas emanan una sustancia tras-técnica, impropia de todo y a la vez vertebral de esta construcción; no se trata de “descripciones” de los cuadros ni de miméticas incursiones en las voces de los escritores evocados, sino de ladrillos hechos con el barro de la vida(una forma de referir al acontecimiento humano que urde todo texto). Veámoslo:
“Y comiendo helados, chupetines,
pequeñas piezas de ensamblado posible,
proyecciones golosas llamando
una sensualidad sin sentido.”
Estos versos pertenecen a “PINCHAS BURSTEIN (MARYAN) por Dennis Adrian / Uniformes irreconocibles. Óleos”. El pintor polaco conocido como Maryan que estuvo en Auschwitz y el crítico de arte Dennis Adrian tienen el mismo valor que “proyecciones”, “golosas”, “sensualidad”, “sentido”; es decir, no son voces ni citas incrustadas (y si lo fueron ya han dejado de serlo), sino piezas de una escritura donde las jerarquías se ubican en el efecto del lenguaje. La poesía de Arteca no se sostiene en un encofrado de referencias consagradas sino en su propia productividad. Si esos nombres están allí, lo están por ser parte del embrollo discursivo que nos azota al habitar esta lengua y sus encrucijadas.
Las revistas y sus casualidades, sus asombrosas casualidades (por ejemplo, un texto “sobre” otro publicado en la revista Sesity de Checoslovaquia). El material inválido es puesto a andar, repuesto, oído como un disco viejo:
“Máquinas tragamonedas, carteles, televisores,
films, revistas, catálogos de venta por correo,
displays de alimentos. Desde la crisis, el arte
no conoce motivos más locales, y en realidad
las obras recientes están envueltas en un aura
nostálgica, perteneciente a la época en que
se desarrolló la infancia de los artistas modernos.
Técnicas de comunicación. El aspecto de mayor
interés es la actitud hacia el motivo.”
Hacia el final, como preludio a las Nuevas impresiones, se habla de lo panorámico y del canon (como composición musical). Dos procedimientos o direcciones para tomar una ruta imprevista: la sucesión abarcada y el contrapunto o rebote. No hay un plano trazado como estadio previo sino un hacerse perpetuo. Las impresiones son tramos de un visitante que entra y sale de cuadro: tramos intermitentes, porciones de un participante casual. El canon puede ser un retorno infinito (canon circular o ronda), espiralado, que apunte a lo que Arteca ha denominado “el segundo asombro”[1]. Se trata de una segunda capa en la experiencia de lectura (o autolectura en cuanto que es el propio autor re-visitando su escritura) en la cual el sujeto debe poner en práctica una arqueología estética. Tras la primera conmoción, evanescente, entra en juego el descarrilamiento del que hablábamos en párrafos anteriores.
“Más allá de todo esto, la escritura no se vuelve carga trágica, sino continuum, o en términos plásticos, all over, que es una técnica utilizada por los expresionistas abstractos norteamericanos, algo así como una cobertura ampliada de la superficie. (…) hay una mixtura a primera vista, por lo que el lector se ve obligado no a elaborar un texto (segundas lecturas, etc.) sino a acondicionar su mirada fuera de los arquetipos funcionales de cualquier disfrute de un poema.” (El segundo asombro).
En estos términos Arteca piensa la poesía de John Ashbery. La técnica es lo que se extrae del afuera y el resto, acaso lo sea todo. Aquello que desborda del control, que desafía toda expectativa y que al mismo tiempo es desechado por la lógica utilitarista (tal vez esas palabras a medio hornear que percibía Larkin en Bob Dylan) es justamente lo que hemos aprendido a oír tras la fritura de la época.
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[1] Arteca, Mario, El segundo asombro, Revista Poesía, Universidad de Carabobo, 2017.
DIEGO L. GARCÍA (Berazategui – Buenos Aires, 1983). Profesor en Letras, egresado de la Universidad Nacional de La Plata. Escribe poesía y crítica literaria. Entre sus publicaciones se encuentran: Fin del enigma (Editorial Municipal de Berazategui, 2011), Hiedra (La Luna Que, 2014), Ruido invierno (La Luna Que, 2015) y Esa trampa de ver (Añosluz Editora, 2016).
Su blog es: http://margendelpoema.blogspot.com.
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BRIAN ENO, SOBRE LA DESHUMANIZACIÓN DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA
Lúcido y crítico, como siempre, el británico señala las mieles pero denuncia los peligros de la tecnología en la creación de música.
Pocos como Brian Eno verían con tal claridad el lado triste de lo que en materia musical ha traído la actualidad. Porque si bien el revolucionario productor musical no es reticente a los cambios, también tiene, y de forma sobrada, la estatura para poder cuestionar la cara oscura de los mismos.
A partir de los avances tecnológicos que han permeado este campo, ahora la producción musical permite a cualquiera hacer música, y facilita que aquellos entendidos puedan producir piezas sin más recursos que una laptop.
Brian Eno advierte en esto una tentación, y como con toda tentación, ceder a ella tiene sus consecuencias. Una de ellas, es la búsqueda de la perfección pero que, en el caso de la tecnología aplicada al arte, implica un costo humano, lo deshumaniza. El músico no puede dejar de lado su esencia humana, ni la imperfección que ésta conlleva. Aquí recordemos Whiplash (2014), en la cual sólo hay una posibilidad para quien quiere ser el mejor baterista: tener la mejor métrica a costa incluso del propio cuerpo–.
Según el británico, alcanzar “la perfección” a través de las maquinas, puede resultar en un proceso mortífero para la música, porque cancela lo que ésta tiene de humano. Es la búsqueda de una perfección que, de convertirse en un patrón estético, suprime esa magia de los sucios rasgueos de los primeros bluseros, en la esencia descompuesta del grunge o en los alaridos aguardientosos de Bob Dylan –a quien en estos tiempos lo habrían afinado con Auto-Tune.
Hace unos siglos, el avance de la música se centró en la medición de frecuencias, la notación, y, posteriormente, en el uso de escalas y acordes. Ya en el siglo XIX, innovar implicaba adentrarse en las razones científicas del sonido –como hizo Modest Mussorgsky, en la suite Pictures at an exhibition. El compositor ruso se inspiró en un principio de la acústica que dicta que los sonidos bajos duran más que los largos, lo que dota al movimiento de una oscura solemnidad.
Paradójicamente, la imperfección humana puede ser más perfecta que la perfección mecanizada. Y esto, como bien apunta Eno, es algo que hay que valorar y proteger no solo en el campo de la música, también en la realidad misma.
FRIDA Y LOS BINOMIOS CANINOS: ALGUNOS DE LOS HÉROES DEL RESCATE TRAS LOS SISMOS EN MÉXICO
Una de las escenas que han llamado la atención en los rescates de las zonas devastadas por el sismo de 7.1 grados en el centro de México (y antes en Oaxaca ), ha sido una serie de canes expertos en identificar personas vivas. Esto es lo que se conoce como binomios caninos o binomios canófilos. El binomio canino es el nombre del sistema integral entre el guardia o personal capacitado para llevar al perro y por supuesto el can entrenado en rescate o detección de explosivos o narcóticos. El perro es capaz de identificar una persona viva, ir y venir en una cierta zona y comunicar señales de su ubicación, a veces meneando la cola, como ocurre comúnmente cuando un perro ve a su dueño.
Frida es la estrella del equipo de la SEMAR, una bella labrador de 6 años, que ha rescatado personas en deslaves en Guatemala, el terremoto de Ecuador, el incendio de Pemex y otros. Se considera que ha rescatado a más de 50 personas con su especial talento para identificar personas vivas y comunicar esta información. SEMAR México señala que su “amor al ser humano” es lo que le permite ser tan efectiva. Otros perros de gran cepa rescatista son Evil y Eco, quienes han participado por su entrenamiento también en Oaxaca y otros desastres naturales. Las redes sociales están inundadas de las adorables imágenes de estos canes, usando sus gogles (o dogles) protectores, sus botitas y arnés, con el que logra descender y ascender (hay que decir que no les faltan donadores a estos canes para tener nuevas prendas protectoras). Hay cerca de 300 binomios caninos trabajando como rescatistas o en la detección de explosivos e identificación de narcóticos dentro de las diversas fuerzas militares.
La habilidad de estos perros rescatistas es altamente valorada, hasta el punto de que ayuda internacional está llegando también en este sentido. Recientemente 5 perros especialistas llegaron a México de un vuelo de Los Angeles, como parte de la ayuda que ha ofrecido. Realmente estos perros califican como “peritos” en esta apremiante situación.
Las redes sociales se han inundado de memes canifílicos, elevando a Frida a la dimensión heroica, algunos incluso activando una campaña para que aparezca en un billete (sugiriendo que lo merece más que un político):
http://pijamasurf.com
Concha Espina, la autora que acarició el Nobel de Literatura
Una exposición en el Museo Nacional de Ciencias Naturales aborda la obra y la vida de las mujeres distinguidas por la Academia sueca
Concha Espina (Santander, 1869-Madrid, 1955) es más que una estación de metro. O es una estación de metro porque fue mucho más: poeta, dramaturga, periodista y novelista compulsiva. Fue también —y ya se borró del recuerdo colectivo— la escritora española que estuvo más cerca del Nobel. En 1926 perdió frente a la italiana Grazia Deledda.
Una exposición dedicada a las mujeres que han ganado el premio a lo largo de la historia (48, una de ellas, Marie Curie, en dos ocasiones) recupera también la historia de la autora que pudo ser y no fue. Espina llegó a estar propuesta en nueve ocasiones y, en tres de ellas (1926, 1929 y 1931), fue candidata. “Fue propuesta al Nobel por 25 nominadores de numerosos países, entre ellos los españoles Jacinto Benavente, Gerardo Diego o Santiago Ramón y Cajal”, señala Belén Yuste, una de las comisarias de la muestra, que se puede visitar en el Museo Nacional de Ciencias Naturales (MNCN) hasta el próximo 20 de marzo. En la exposición, Espina comparte un espacio, A punto de Nobel, junto a la polaca Irena Sendler, que salvó a 2.500 niños judíos del gueto de Varsovia.
Tampoco accedería a la Real Academia de la Lengua (RAE), si bien fue distinguida con su premio por la obra Tierra de Aquilón en 1924. Concha Espina fue una autora popular —el tirón de su primera novela, La niña de Luzmela, hizo que el pueblo donde se inspiró adoptase este topónimo— y reconocida por las instituciones, también internacionales. Fue vicepresidenta de la Hispanic Society (pese a ello ha estado ausente de la muestra del Museo del Prado) y miembro de honor de la Academia de las Letras y las Artes de Nueva York.
Mujeres Nobel se centra especialmente en las biografías de 12 de las 48 ganadoras del galardón, entre ellas Marie Curie (Física y Química), Selma Lagerlöf (Literatura), Nelly Sachs (Literatura), Rita Levi-Montalcini (Medicina), Wangari Maathai (Paz) o May Britt-Moser (Medicina). Además de paneles explicativos sobre ellas, se exponen objetos como un cuarzo piezoeléctrico diseñado por Pierre Curie para medir la radiactividad, destacado por Soraya Peña, coordinadora de la exposición, como “uno de los cinco prototipos que se conservan en todo el mundo”, los botines que utilizaba la sueca Selma Lagerlöf debido a su lesión de cadera, la tesis firmada por la última Nobel de Medicina, May Britt-Moser, o una vajilla del banquete que sigue a la entrega del premio.
“El objetivo es difundir la vida y la obra de las científicas a un público general”, señaló Yuste, que ha destacado la implicación de las embajadas de los distintos países con mujeres premiadas, así como la colaboración del Museo del Nobel en Estocolmo y el Instituto de Oslo. En paralelo a la muestra, organizada por el MNCN, el Consejo Superior de Investigaciones (CSIC) y Rocaviva eventos, se han programado talleres y conferencias como la de Pierre Joliot-Curie, hijo y nieto de cuatro premios Nobel, que hablará sobre la lucha de las mujeres científicas el jueves 26 de septiembre.
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