La más macha entre los machos

Contraviniendo las palabras de Chavela Vargas, que, al comienzo de la entrevista sugiere hablar solo de su futuro, la película propone un recorrido cronológico de la vida de la artista

Frida Kahlo y Chavela Vargas.

 

CHAVELA

Dirección: Catherine Gund y Daresha Kyi.

Documental.

Género: biográfico. México, 2017.

Duración: 90 minutos.

De ella escribió el mexicano Carlos Monsivaís que “añadió a la música ranchera la soledad radical, donde la música y las letras alcanzan el nivel de confesión de madrugada y ha sabido expresar la desolación de esas rancheras con la desnudez del blues”. El chileno Pedro Lemebel la inmortalizó en su necrológica como una voz que sigue eterna bolereando la trizadura lésbica de su canto”. Y una carta, quizá apócrifa, de Frida Kahlo la definió como “un regalo que el cielo me envía”. En vida, Chavela Vargas, la costarricense convertida en paradigma de un alma doliente mexicana macerada en dolor y tequila, ya había ingresado en el podio de las leyendas, por una cuestión de genio irrepetible, de identidad resistente a todo intento de domesticación y, también, de esfuerzo propio y personal para construirse una automitología a medida –ahí están esas historias en torno a Kahlo o Ava Gardner-. En Chavela, documental de Catherine Gund y Daresha Kyi, las canciones de la artista –con juegos de rotulación empleados para reforzar el sentido del discurso- y una entrevista inédita realizada en los noventa sirven de hilo conductor en un retrato a varias voces que intenta integrar, en una misma figura, realidad y mito. Las documentalistas no dudan en “imprimir la leyenda”, pero sin que eso anule el hecho.

Contraviniendo las palabras de Chavela Vargas –que, al comienzo de la entrevista, sugiere hablar solo de su futuro-, la película propone un recorrido cronológico desde su transgresora irrupción en la escena de la canción mexicana –donde su singularidad era tolerada como representación- hasta su triunfal resurrección artística, en un discurso que pone justo énfasis a las complicidades que fue encontrando esta fuerza de la naturaleza convertida en agente provocador. El resultado es un completo y responsable retrato de una personalidad creativa realmente única.

JORDI COSTA

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Adiós a la maldición: El Quijote de Terry Gilliam ya está rodado

«El Hombre que mató a Don Quijote», con un presupuesto de 16 millones de euros, ya se encuentra en la fase de post-producción

Terry Gilliam
Terry Gilliam – ABC

 

Desde 1998 (aproximadamente), Terry Gilliam ha intentado hacer una adaptación de«Don Quijote de la Mancha». Por el camino se ha encontrado con un sinfín de contratiempos que retresaban el rodaje una y otra vez. Han sido tantos los intentos fallidos que seguro incluso él mismo creía que iba a volver a suceder algo raro cuando hace unos meses se anunciaba el inicio del rodaje. Sin embargo, esta vez no ha sido así.

El propio Gilliam ha confirmado que la grabación (al completo y sin demasiados contratiempos) ha terminado. El responsable de películas como «12 monos» o «El rey pescador» comunicaba a través de Facebook con el siguiente mensaje: «Perdonad por el largo silencio. He estado ocupado empacando el camión y ahora me voy a casa. Después de 17 años, hemos completado la grabación de ‘The Man Who Killed Don Quixote (El Hombre que mató a Don Quijote)’. Muchas gracias a todo el equipo y a los creyentes. ¡Quijote vive!».

«Don Quijote es un soñador, un idealista y un romántico, decidido a no aceptar las limitaciones de la realidad, avanzando sin importar los contratiempos, como hemos hecho nosotros desde el comienzo de la producción. Hemos estado trabajando en esto durante tanto tiempo que la idea de terminar de rodar esta película ‘clandestina’ es bastante surrealista. Cualquier persona sensata habría renunciado hace años, pero a veces los cabezotas soñadores ganan al final, así que doy las gracias a todos los idealistas que se han unido para hacer realidad este sueño», añadía el director a través de un comunicado de la distribuidora de la película.

 

Tras nueve semanas de rodaje por Madrid, Fuerteventura y la localidad portuguesa de Tomar muy cerca de Lisboa –y con un presupuesto de 16 millones de euros–, ahora solo queda el arduo trabajo de post-producción, etapa que estará marcada por la exigencia de un Gilliam que lleva casi 20 años intentando hacer esta película. Sin embargo, el director cuenta con la tranquilidad de tener el apoyo de Amazon así que ya podemos decir que la maldición del «Quixote» de Terry Gilliam ya llegado a su fin.

Pronto podremos ver a Jonathan Pryce dando vida al mítico personaje creado por Miguel de Cervantes hace ya más de 400 años. Recordamos que el reparto de «The Man Who Killed Don Quixote (El Hombre que mató a Don Quijote)» se completa con actores como Adam Driver, Stellan Skarsgård, Olga Kurylenko o Rossy de Palma.

Un productor en el camino

Aún hay un «pero» por resolver. Terry Gilliam tendrá que atender a las reclamaciones del que fuese su productor inicial, Paulo Branco. Con él, anunció en 2016 que el proyecto se realizaría por fin. Sin embargo, en octubre de ese mismo año se paralizó todo. Fue entonces cuando aparece el actual productor, Gerardo Herrero, para hacerse con la producción de la película. Tras este movimiento, y como se hizo público durante el Festival de Cannes, Gilliam tendrá que formalizar su ruptura efectiva con la productora del portugués. ¿Puede esto poner en peligro el desarrollo de «La muerte de don Quijote»? El equipo técnico asegura que no.

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Votar a Obama

La película ‘Déjame salir’ refleja con exactitud el fenómeno de las buenas intenciones de la clase blanca, heterosexual y dominante sobre las demás

Dnaiel Kaluuya en un fotograma de ‘Déjame salir’. rn rn

Dnaiel Kaluuya en un fotograma de ‘Déjame salir’. IMDB

 

Déjame salir es la clase de película que tenía ganas de ver desde hace tiempo. Va de un negro invitado a una fiesta de blancos: tal acontecimiento no lo explica mejor el periodismo ni la ficción, sino el género fantástico. Sólo desde ese prisma puede entenderse una película de miedo en la que el mayor momento de terror se produce cuando un hombre blanco y progresista dice que hubiera votado a Obama para un tercer mandato.

Por supuesto no mentía: lo hubiera hecho. También los invitados a su fiesta: matrimonios blancos y ricos, tolerantes, acogedores. Todos despliegan en la conversación con el protagonista un racismo casi clínico, resultado no de la hostilidad hacia el diferente sino de la amabilidad con él, su integración. O sea, el reconocimiento de que está excluido.

Se trata del racismo involuntario de quien cree que el negro se va a sentir mejor hablando de cosas de negros: una forma exótica de cortesía. Con tal voluntad de hacer que se sienta cómodo que, cuando un hombre le dice que se dedica al golf, añade que conoce a Tiger Woods. Por un momento parece que va a preguntarle si él también lo conoce, como aquel personaje de Aquí no hay quien viva que, enterado de que su vecino es homosexual, le dice: “Entonces tienes que conocer a mi sobrino, que también vive en Madrid”.

Esa escena de la película refleja con exactitud el fenómeno de las buenas intenciones de la clase blanca, heterosexual y dominante sobre las demás. Cuando en el afán de que una transexual se sienta a gusto se hace girar la conversación sobre su sexo entre proclamas de libertad y tolerancia, como si en lugar de un amigo se le estuviese presentando un terapeuta. Casos especialmente graves en el periodismo, cuando parece imposible desligar el mérito del entrevistado de su raza, sexo o religión si estas condiciones son minoritarias.

 

Con una actriz, científica, escritora y etcétera pierde el entrevistador —yo también— dos o tres preguntas sobre algo tan insólito como el haber nacido mujer; preguntas —las mías también— a menudo bienintencionadas y paternalistas que tienen por objetivo trasladarle solidaridad sin reparar en lo ridículo, y machista, que resulta cuando nadie la ha pedido. Y así con negros, lesbianas o inmigrantes a los que con frecuencia su condición eclipsa su trabajo sin saber si les apetece hacer causa en ese momento.

El protagonista de Déjame salir lo comprueba en una fiesta de final insólito. Miren la película. Lo que hacen con él es lo que parece que vamos a hacer nosotros cuando en lugar de una persona parece que nos han presentado un prototipo.

MANUEL JABOIS

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«Okja»: así es la película de Netflix que provocó el terremoto en Cannes

La cinta, dirigida por Joon Ho («Rompenieves», «The Host»), ha reunido a un gran reparto que incluye a Tilda Swinton, Paul Dano, Lily Collins, Jake Gyllenhaal

«Okja»: así es la película de Netflix que provocó el terremoto en Cannes

 

Este año el Festival de Cannes ha arrancado con polémica. Dos de las películas de la Sección Oficial («The Meyerowitz Stories» y «Okja») habían sido producidas por Netflix, una compañía que tiene un circuito de distribución propio que no depende de las salas de cine. «¿Qué pasará si mañana no se proyectan en las salas, cuestionando así su naturaleza de obra cinematográfica?», se preguntaban los cines galos.

La controversia se zanjó con la exigencia, para las futuras ediciones de Cannes, de pasar por las salas de cine francesas para poder entrar a concurso.

Ahora, Netflix ha presentado el tráiler y el póster oficial de «Okja», una de las películas que generó la polémica. La cinta, dirigida por Joon Ho («Rompenieves», «The Host»), ha reunido a un gran reparto que incluye a Tilda Swinton, Paul Dano, Lily Collins, Jake Gyllenhaal y An Seo Hyun, entre otros.

 

La película cuenta la historia de cómo Mija (An Seo Hyun), la cuidadora de un gigantesco y extraño animal llamado Okja, se ve despojada de su compañero y emprende una peligrosa misión de rescate. Entre medias, un sinfín de peripecias en las que se tendrá que enfrentar con diversos grupos capitalistas, manifestantes y consumidores.

Bajo este paraguas, el cineasta Joon Ho mezcla con destreza distintos géneros como el humor, la angustia y el drama, creando una clara y profunda visión del mundo dirigida al animal que todos tenemos dentro.

Okja se estrenará en Netflix a nivel mundial el próximo 28 de junio.

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Un elefante en el sumidero de la historia

El artista Txuspo Poyo inaugura la nueva temporada de Multiverso, en la Fundación BBVA, con una obra audiovisual que explora el caso del túnel abandonado de La Engaña, entre Burgos y Cantabria.

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FERNANDO DÍAZ DE QUIJANO 

En los primeros años de la posguerra, presos republicanos empezaron a construir el túnel ferroviario de La Engaña, que unió Burgos con Cantabria en 7 km a través de la montaña. Jamás llegó a entrar en funcionamiento y pronto cayó en el abandono. El artista Txuspo Poyo ha explorado la memoria del lugar con una obra de videocreación realizada gracias al programa Multiverso de la Fundación BBVA. Expediente: Túnel de la Engaña se exhibe en el Palacio del Marqués de Salamanca, sede madrileña de la fundación, hasta el próximo 11 de junio.

La obra combina las técnicas del cine documental e imágenes de un fuerte carácter poético. “La historia tiene a veces una piedra traumática tan pesada que en este caso había que aproximarse desde lo poético”, explica el artista a El Cultural, que considera la idea de túnel como “un agujero en el cuerpo de la historia”.

La instalación se compone de un primer espacio con un texto explicativo, los créditos y un vídeo, en formato vertical, que muestra imágenes del interior anegado del túnel, así como la restauración de una letra en el rótulo que hay sobre la entrada. Mientras tanto, se oyen los testimonios de antiguos trabajadores del túnel, y de Teresa Cobo, periodista del Diario Montañés experta en la historia del lugar. Los tres hablan de las condiciones de trabajo en el túnel y de cómo muchos de los obreros enfermaron de silicosis, patología crónica del aparato respiratorio por inhalación de polvo de sílice. Un buen número de ellos murió pocos años después por culpa de la enfermedad.

En la sala principal (un espacio construido ex profeso en la sede de la fundación para exhibir contenidos audiovisuales en una gran pantalla) encontramos un díptico en el que entra en acción un elemento anacrónico: un elefante. Para el artista, es un animal que representa algunos conceptos ligados al túnel: la “fisicidad”, la emotividad y el duelo.

Expediente: Túnel de la Engaña podrá verse durante un mes en la sede madrileña de la fundación. Después se exhibirán sucesivamente otros ocho trabajos -realizados por Rosana Antolí, Marc Larré, Carles Congost, María Ruido, Pedro Luis Cembranos, Isaías Griñolo, Lucía Moreno y Lúa Coderch- financiados también por las becas Multiverso, que la fundación creó en 2014 para impulsar la creación y la exhibición de videoarte, del mismo modo que ha hecho con otros ámbitos de la cultura.

Laura Baigorri es la comisaria del proyecto y nos explica en el vídeo las características de esta convocatoria destinada a proporcionar “un impulso adicional a artistas que ya han demostrado una trayectoria sólida, permitiéndoles realizar proyectos maduros y complejos que, de otro modo, no serían posibles sino a muy largo plazo”. En este caso, la ayuda económica ha sido determinante, como es obvio, para contratar la presencia del elefante, y repercute en la impecable factura térmica de una obra en cuya grabación interviene un dron y una cámara térmica. La comisaria, profesora titular especiaista en Arte y Nuevos Medios en la Universidad de Barcelona, nos habla además de la situación actual del “audiovisual de creación” en el panorama del arte contemporáneo, asumido ya plenamente por los artistas como una herramienta más de trabajo.

@FDQuijano

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Ghost in the Shell

Foto animada

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Fuego en el mar

 En la Cineteca Nacional se presenta en estos días Fuocoammare: Fuego en el mar, el documental de Gianfranco Rosi que ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín el año pasado y que acaba de ser nombrada como candidata al Óscar en la categoría de documental. La cinta es un desgarrador retrato de los migrantes que arriesgan su vida y muchas veces la pierden en el mar, buscando Europa. El primer territorio europeo es Lampedusa, un pequeño pueblo pesquero por el que han pasado más de 100,000 africanos en los últimos veinte años.

La película de Rosi va del mar a Lampedusa y de la isla al mar. Captura la tragedia de los migrantes que huyen de Libia, de Nigeria, de Costa de Marfil y, al mismo tiempo, la vida cotidiana de ese pequeño pueblo de pescadores. En ese flujo y reflujo de las escenas reside la fuerza de la cinta: a un paso de los ahogados, la rutina de los niños, los hábitos en las casas. La tragedia convive con el tedio. Ha dicho el director que en sus proyectos fílmicos su mayor inversión es siempre el tiempo. Nada valioso puede capturar la prisa. Rosi vivió cerca de un año en Lampedusa, más de un mes en balsas de huida. El mayor mérito de un documentalista es la conquista de la intimidad, el conocimiento profundo de los personajes que mira, la familiaridad con un paisaje.

El director no habla detrás de las imágenes como lo haría Werner Herzog con su acento. Rosi no explica, ni interpreta. Con cámara y micrófono hila una historia desoladora. Es el holocausto de nuestra era. Embarcaciones repletas de africanos sin comida, sin agua y sin oxígeno. Llamados de desesperación para el rescate que no llega. Abrazos en el sótano de la asfixia. Barcos de la muerte. Al mismo tiempo, la cinta nos da respiro contándonos una historia ordinaria. El espectador toma oxígeno cuando la pantalla regresa a la tierra para presentarnos lo trivial. Un niño crece, brinca entre los montes, trepa los árboles, dispara con su resortera. No hay, en apariencia, mayor conexión entre el niño que juega y los balseros que sobreviven o mueren. Nunca se cruzan esas miradas y, sin embargo, hay un puente que es la modesta conciencia de la cinta: el médico que atiende al muchacho y que revisa también los signos vitales de quienes han logrado alcanzar la costa con vida. El médico, el hombre que toca la vida y la muerte, es el mediador entre lo insoportable y lo habitual.

Rosi, el antiherzog, como algunos lo han descrito, sabe callar. Un silencio largo acompaña los últimos minutos de la cinta. Ninguna palabra tendría sentido ante lo que ojos nos muestran.

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COINCIDEN MARTIN SCORSESE Y RIDLEY SCOTT: EL CINE ESTÁ MUERTO

SCORSESE Y RIDLEY SCOTT CRITICAN EL CINE ACTUAL, EN EL CUAL HAY POCAS BUENAS HISTORIAS Y LA MAYORÍA DE LAS PELÍCULAS SE PARECEN A UN PARQUE DE ATRACCIONES

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Martin Scorsese y Ridley Scott son dos de los directores más reconocidos de una generación que todavía hacía películas de alta factura estética con el apoyo de los grandes estudios, algo que ahora está prácticamente en extinción. 

Scorsese dijo en una reciente entrevista “El cine ya no existe. El cine con el que crecí y el cual sigo haciendo, ya no existe”.  Scorsese explica más detalladamente:

Los cines siempre estarán ahí para una experiencia comunal, no hay duda de ello. Pero,¿qué tipo de experiencia será? ¿Será siempre ir a ver un película de parque de atracciones? Sueno como un hombre viejo, que lo soy. La pantalla grande para nosotros en los 50 era ver westerns como Lawrence de Arabia y de ahí la experiencia especial de 2001: Odisea en el Espacio, en 1968. O la experiencia de ver Vertigo y The Searchers en VistaVision.

Scorsese cree que el cine ha perdido importancia con la proliferación de imágenes en las pantallas de los gadgets y critica la sobredependencia de los actuales directores en la tecnología.

Por su parte, Ridley Scott dijo en otra entrevista “El cine mayormente es de mala calidad”. Scott culpa las películas de superhéroes y las malas historias. En el 2015, por ejemplo, sólo dos historias originales estuvieron entre las 10 películas más vistas del año (una de ellas fue The Martian de Scott) todas las demás fueron franquicias ya establecidas.

¿Qué piensan, se trata solamente de la visión de dos viejos que siempre pensarán que el pasado fue mejor? ¿O realmente estamos en una época de decadencia cultural? Lo que es indudable es que el cine que domina las carteleras en la mayoría de los países es un cine extremadamente comercial, sensacionalista incluso, lleno de persecuciones, animación por computadora, clichés y poca sustancia. Seguramente el buen cine sigue existiendo, pero el espectador debe hacer un esfuerzo grande para encontrarlo, de otra manera simplemente no llega a él.

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¿”LA LA LAND” TE PARECIÓ MUY INGENUA? ¿QUÉ TAL SI LA HUBIERA DIRIGIDO DAVID LYNCH? (VIDEO)

¿ES POSIBLE LLEVAR EL ESTILO SOMBRÍO Y CONFUSO DE DAVID LYNCH AL TERRITORIO COLORIDO DE “LA LA LAND”?

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Entre los éxitos cinematográficos más recientes, el neo-musical La La Land (Damien Chazelle, 2016) es posiblemente el que más ha llamado la atención y, sobre todo, sobre el cual se ciernen las opiniones más divididas, pues mientras que unos lo consideran un filme notable en prácticamente todos los rubros que hacen una buena película, para otros no es más que un pastiche ingenuo y hecho a la medida para cosechar triunfos.

Y podría decirse que así pasa, en general, con todo aquello que conquista a las multitudes. Muchas veces una obra creativa puede oscilar entre el arte auténtico y el producto cuidadosamente diseñado, entre la originalidad y la fórmula, la disrupción o la preservación.

¿Pero y qué si fuera de otro modo? ¿Podría La La Land contener el germen de una obra aún mayor? ¿Una pieza modesta o mediocre puede convertirse en una obra maestra?

En parte esas son las preguntas que podrían hacerse a propósito del video que ahora compartimos: una reinterpretación de dicha película pero bajo el estilo inconfundible de David Lynch, autor, como sabemos, de películas sombrías y confusas, e incuestionablemente originales.

El cruce, sin duda, es por lo menos inesperado, pues no parece sencillo imaginar La La Land convertida en algo como Blue Velvet.

¿O sí?

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INGENIO, TÉCNICA, MAGIA: ASÍ SE HACÍAN LOS EFECTOS ESPECIALES EN TIEMPOS DEL CINE MUDO (GIFS)

PONIENDO EN JUEGOS TODOS LOS RECURSOS DEL CINE, PERSONAJES COMO CHAPLIN O BUSTER KEATON CONSIGUIERON CREAR MAGIA AUTÉNTICA EN LA PANTALLA.

 

Desde hace unas décadas, cierto tipo de producción cinematográfica ha hecho de los llamados “efectos especiales” una cualidad de las películas de géneros como la acción, la ficción científica y a veces también el horror. El avance de la tecnología ha contribuido notablemente en el desarrollo de dicha característica, pero no menos cierto es que también ha provocado cierto enviciamiento entre los espectadores, quienes a veces pueden llegar a juzgar una película casi exclusivamente “por sus efectos”, si estos son creíble o no, si vuelven fiable la destrucción de una planeta o una batalla de naves espaciales.

El cine, sin embargo, es mucho más que los montajes que se hacen en la pantalla de una computadora. Como prueba de ello, presentamos ahora una serie de GIFs realizados por el usuario Auir2blaze de la red social reddit, quien se encargó de desmenuzar los secretos del cine silente en escenas emblemáticas que, hasta la fecha, son capaces de asombrarnos.

 

En los GIFs es posible entender esos efectos que mucho tienen de magia primigenia, pues con nada más que recursos técnicos y ópticos, los primeros cineastas lograron confundir al público, de la misma manera que hace un prestidigitador o, en otra época, los pintores que recurrieron al trompe l’oeil. Veamos.

En Safety Last! (1923), la posición de la cámara creó un engaño de perspectiva mediante el cual parece que Bustear Keaton efectivamente está a punto de caer desde una gran altura.

Una escena icónica de Modern Times (1936), en la cual, sin embargo, Chaplin nunca estuvo en peligro, pues en realidad los pisos inferiores del centro comercial se pintaron sobre un pedazo de cristal puesto a su vez frente a la cámara.

En The Black Pirate (1926), un sistema de contrapesos hizo posible la caída dramática de Douglas Fairbanks a lo largo de la vela de una navío.

Este siniestro baile de ojos de la actriz Colleen Moore se consiguió filmando por separado el movimiento de cada uno, con ayuda de un cristal pintado de negro. La escena pertenece a la película Ella Cinders (1926).

¿Cómo hacer que una misma persona apareciera como su propio doble en la misma secuencia? En Little Lord Fauntleroy (1921), el cinematógrafo Charles Rosher ideó un sistema en el que sobre la superficie de un cristal se pintó, en silueta, el perfil de la actriz Mary Pickford, con tanto detalle como fue posible; en la secuencia, Pickford se movió detrás de este, al tiempo que la cámara permanecía fija sobre una estructura metálica. Según se sabe, este truco que tomó 15 horas de trabajo, resultó en una secuencia de 3 segundos.

Los filtros también son un elemento importantísimo en el cine. Uno de sus usos más ingeniosos ocurrió en Ben-Hur (1925), la segunda adaptación fílmica de la novela homónima de Lew Wallace (1880). Ahí, el cambio de filtros operó el “milagro” de Jesucristo curando a un par de leprosas.

 

Otra escena icónica del cine siente: Buster Keaton cruzando un puente interrumpido gracias al paso coincidente de dos camiones. La escena resultó de la unión de dos grabaciones distintas: una en la que Keaton conduce normalmente sobre el puente y otra de los dos camiones transitando por debajo.

 

“El arte es magia liberada de la mentira de ser verdad”, escribió alguna vez Theodor W. Adorno, algo que en esa época del cine se cumplió de forma inmejorable.

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