El periodismo en viñetas: otra manera de informar

Durante la crisis económica los únicos libros que no bajaron en ventas fueron los de literatura juvenil y los cómics. Aprovechamos la celebración del Salón del Cómic de Barcelona para abordar la situación del periodismo dibujado.

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Una panorámica de una antigua edición del Salón del Cómic.

Consolidado como un punto de encuentro del cómic nacional e internacional, el Salón Internacional del Cómic, rebautizado ahora como Cómic Barcelona, arranca este viernes su 37ª edición. Como siempre, el certamen es una ocasión excelente para descubrir nuevos formatos y nuevas ideas, y servirá para medir la pujanza que han logrado las obras de no ficción, entre las que se encuentran las de periodismo dibujado. En la edición de este año, Cómic Barcelona dedica una exposición a Stan Lee, un mito del sector desaparecido en noviembre del año pasado; estrena el espacio Alter Cómic para dar voz a pequeñas editoriales independientes; y tendrá una jornada para profesionales.

Las editoriales buscan innovar y mezclarse con otros géneros para acercarse al gran público. En este sentido, la directora del certamen, Meritxell Puig, considera que productos como los cómics de no ficción siempre habían existido, pero “es ahora cuando están aflorando. Este es uno de los objetivos de Cómic Barcelona: dar a conocer todo tipo de productos, que la gente sepa que hay otras cosas más allá de Spiderman y Mortadelo y Filemón“. Puig asegura que el cómic alternativo procedente de pequeñas editoriales cada vez tiene más tirón.

Expansión del formato

En los últimos años, la industria del cómic se ha visto sacudida por la expansión de los formatos. Palabra e imagen dialogan para crear nuevos productos que son muy atractivos para el gran público, como el caso de la crónica periodística ilustrada. Cada vez más se habla de los géneros híbridos que mezclan técnicas, plataformas o modos de distribución. “Pienso que nuestra época se caracteriza por la convivencia. Los lectores pedimos diferentes tipos de lectura, por lo que se mantiene la producción en diversos ámbitos, géneros y lenguajes”, asegura Jordi Carrión, escritor, periodista y codirector del Máster en Creación Literaria de la Universitat Pompeu Fabra.

El periodismo dibujado coge fuerza, como prueba la reciente publicación de la obras como la adaptación gráfica de Homenaje a Cataluña (Debate, Rosa dels Vents), de Jordi de Miguel y Andrea Lucio o Intisar en el exilio (Astiberri, 2018) , de Pedro Riera y Sagar Forniés. Una carrera de fondo iniciada en los noventa por Joe Sacco y que abrió el paso a ilustradores e ilustradoras como Zeina Abirached, Rutu Modan, Marjane Satrapi, Lapin, o Guy Delisle, que trabajan con dibujos y material procedente de la realidad para crear productos híbridos que tienen mucho crónica y poco de ficción.

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Viñeta de una obra de Joe Sacco.

 

Para Pere Ortín, director de la Revista Altaïr y artífice de Viajes dibujados, donde hay crónicas ilustradas de no ficción de varios autores, no se trata de enfrentar formatos, ya que “las narrativas son siempre complementarias, y esto ayuda a los creadores y a los lectores con un sentimiento liberador “. “Puede que el periodismo dibujado refuerce la idea de un cambio necesario en aquellos que estamos cansados de un periodismo concebido y creado rápido y furioso, que no atiende a la atractiva complejidad del mundo y que dispara clichés a precio de saldo. En este sentido, en el cómic periodístico desaparece esta pesada sensación de editar, ver o leer periodismo construido como placebo existencial para sus creadores y lectores. y eso es muy positivo”, añade.

En esta línea, el cómic periodístico, ayudaría, según Ortín, a desterrar el concepto del periodista buscador de la verdad, periodista-traductor del mundo. “Todas estas perífrasis tradicionales con las que el periodismo se engañó durante años desaparecen en el cómic periodístico: aquí todo el mundo sabe que está viendo y leyendo una historia basada en hechos reales en la que los periodistas volvemos a ser lo que somos: humildes, honestos y veraces contadores de algunos de los muchos presentes posibles”.

Respecto a un posible auge del periodismo en viñetas, Carrión piensa que “la tendencia no ha crecido, se mantiene cierto interés pero somos pocos los que seguimos el camino de Joe Sacco. Hay más interés y mercado para el cómic autobiográfico que para el cómic periodístico “. En un artículo reciente en el New York Times, Carrión aseguraba: “Mientras que la no ficción en viñetas de carácter autobiográfico insiste en las formas fijadas por maestros como Robert Crumb, Art Spiegelman, David B. o Alison Bechdel, y deviene menudo bestseller (como Persépolis, de Marjane Satrapi, o El árabe del futuro, de Riad Sattouf), la de voluntad periodística no está determinada por nadie, ni siquiera por la maestría del gran Sacco. Es más extraña. Se resiste al mainstream“.

Còmics en la passada edició del Saló.

Cómics en la pasada edición del Salón.

 

También es de la misma opinión Pere Ortín: “no creo que haya un auge del cómic periodístico, pero sí creo que hay más material interesante dentro del mundo del cómic para adultos”. Para él, el gran público está empezando a cansarse de un tipo de periodismo que “con más o menos talento e independientemente de las capacidades narrativas, reincide constantemente en puntos de vista, clichés y miradas demasiado evidentes, demasiado tópicas”. En este sentido, la ilustración ofrece al periodismo una manera versátil de afrontar narrativas complejas de la realidad. “El dibujo periodístico, con su enfoque y sus procesos pausados y su mirada detallada, casi microscópica, desafía la narrativa hegemónica de los medios de comunicación convencionales” sentencia.

“El dibujo periodístico desafía la narrativa hegemónica de los medios de comunicación convencionales”

“El mejor trabajo sobre la guerra en República Centroafricana no lo ha hecho un reportero ni un medio de comunicación, sino el dibujante Didier Kassai, con Tempête sur Bangui. El mejor trabajo de denuncia de las penosas condiciones en que vive la gran mayoría de gente en Guinea Ecuatorial lo ha hecho el dibujante Ramón Esono, con La pesadilla de Obi(Traficantes de Sueños, 2016).

Retos para ilustradores y guionistas

Uno de los retos principales de un cómic periodístico es el entendimiento entre el ilustrador y el guionista. Para el dibujante Sagar Forniés, que en 2015 publicó Vagabundos de la Chatarra (Norma Editoral) con Jordi Carrión y que ahora publica Instisar en el exilio con Pedro Riera, lo más importante es no contaminar la historia: “Como en cualquier medio de comunicación, debe ser lo más transparente posible con la información, pero a la vez se debe intentar conectar con el lector a través del lenguaje del cómic”. En este proceso, periodista e ilustrador están condenados a hacer un ejercicio de empatía e intentar aprender el uno el lenguaje del otro. “Siempre he trabajado con periodistas que me han respetado mucho y que siempre han tenido las ideas muy claras», comenta.

Para el guionista Pedro Riera, poder publicar Intisar en el exilio significa una manera de contar una historia que bebe del periodismo a otro tipo de público. “Mucha gente todavía cree que el cómic es un producto para niños, pero los cómics sirven para contar historias de otra manera”. Su último libro narra las primaveras árabes y la guerra de Yemen a través de diferentes entrevistas que hizo sobre el terreno y que luego fueron ilustradas por Forniés.

A la hora de hacer recomendaciones, Jordi Carrión lo tiene claro: La Grieta (Astiberri, 2016), de Carlos Spottorno y Guillermo Abril, Oscuridades programadas: crónicas desde Turquía, Siria y Irak (Salamandra Graphic, 2017) de Sarah Glidden, El negocio de los negocios (Astiberri, 2009) de Denis Robert, Yan Lindingre y Laurent Astier, Palestina (Planeta, 2015) y Reportajes (Literatura Random House, 2012) de Joe Sacco. “Seleccionando sólo libros, sin embargo, nos dejamos las revistas, que son las plataformas más importantes de este tipo de formatos”.

Pere Ortín coincide con Carrión a la hora de mencionar Joe Sacco pero mira hacia los clásicos, como Art Spiegelman (Maus), Emmanuel Guibert (El fotógrafo, Astiberri 2011) o Igort (Cuadernos Japoneses, Salamandra Graphic 2016). “Más que citar estos sólo que ya se conocen, quiero mencionar a las revistas francesas punteras del periodismo dibujado, que me fascinan, leo con pasión y recomiendo siempre, como S.XXILa Revue dessinées o Topo Revue“. Este fin de semana, Comic Barcelona es una buena oportunidad para zambullirse en el formato.

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El superhéroe de cómic que salvó de una terrible enfermedad a miles de personas en la realidad

El Capitán América contribuyó de forma eficaz a la vacunación frente a la poliomielitis, debido a que él mismo recibió una vacuna en uno de los comics

Capitçán América, en primer término, en un fotograma de la saga «Los vengadores»
Capitçán América, en primer término, en un fotograma de la saga «Los vengadores» – Archivo

Los cuatro grandes padres de la patria estadounidense son George Washington, Thomas Jefferson, Abraham Lincoln y Franklin Delano Roosevelt. A este último, el único que conquistó el despacho oval de la Casa Blanca en cuatro ocasiones, lo recordamos en silla de ruedas, debido a las secuelas de la poliomielitis.

Se trata de una infección vírica conocida desde las primeras civilizaciones. El testimonio más antiguo que disponemos es una estela fechada en el siglo XIV a. C. en la que aparece un sacerdote egipcio -llamado Rom- con la atrofia muscular en una de sus piernas.

La parálisis y atrofia de la musculatura son las consecuencias derivadas del daño que produce el virus de la polio a nivel de la médula espinal, concretamente en las motoneuronas localizadas en el asta anterior.

La enfermedad del Capitán América

En 1940 nació en la factoría Marvel un patriótico superhéroe americano, el Capitán América. Ataviado con las barras y las estrellas, el nuevo héroe iba ataviado con un antifaz y un escudo indestructible, fabricado de la aleación de un metal extraterrestre –adamantium- y de otro que tan sólo se encuentra en África –vibranium-.

En muy poco tiempo el superhéroe consiguió conquistar el corazón de los norteamericanos. Hay que reconocer el acierto y la valentía de la editorial, porque ya en el primer número de la larga serie se nos presenta al protagonista -Steve Rogers- como un joven débil y frágil.

No en balde será rechazado para incorporarse como voluntario en el ejército de los Estados Unidos, ya que su cuerpo no es apto para la guerra, debido a que sufre una discapacidad provocada por la infección del virus de la poliomielitis.

El paralelismo con la realidad

Esta historia no era ajena a la sociedad norteamericana, la había sufrido en sus propias carnes. En el verano de 1916 hubo una gran epidemia de polio que causó en Estados Unidos más de 27.000 muertos. Se estima que sólo en la ciudad de Nueva York afectó a casi 9.000 mil personas y se cobró la vida de otras 2.000.

Muchos de los que sufrieron las secuelas de aquella epidemia leían ahora, acomodados en una silla de ruedas, las aventuras del superhéroe, estando impedidos para servir a su país en la Segunda Guerra Mundial.

Recordemos que el ataque a la base de Pearl Harbour se produjo en diciembre de 1941, un año después de que el Capitán América irrumpiera en las librerías estadounidenses. Otro dato nada desdeñable es que según el comic Steve Rogers había nacido en 1917.

A pesar de que Rogers había sido rechazado inicialmente por el ejército, rápidamente contactó con él un alto mando, el general Chester Philips, que le ofreció participar en la operación ReBirth –volver a nacer- que consistía en administrarle un suero milagroso que le devolvería la vitalidad.

Después de aquel supuesto tratamiento experimental se produjo el milagro, Rogers se convirtió en un joven nuevo, con fuerza, resistencia y agilidad insuperables. No sólo había conseguido recuperarse de las secuelas de la poliomielitis sino que, además, se había convertido en un superhéroe.

El científico que hizo posible el milagro real

En la década de los cuarenta un científico, Jonas Salk (1914-1995), estaba investigando una vacuna contra la poliomielitis, que finalmente vio la luz, con los primeros resultados exitosos, en 1952.

La vacuna se administraba de forma inyectable y se basaba en tres variedades del virus de la polio, cultivadas en el mono e inactivadas con formol. Inicialmente, la vacunación se realizó en voluntarios sanos, entre los que se encontraron el propio Salk, su mujer y su hijo. Gracias a la factoría Marvel hubo menos reticencias de las esperadas en la vacunación.

La campaña de vacunación fue un éxito y la incidencia de epidemias comenzaron a descender de forma vertiginosa: Salk se había convertido en un héroe nacional y como tal procedió. El científico rechazó patentar y mercantilizar su vacuna, no deseaba obtener réditos económicos, lo único que ambicionaba era salvar al mayor número de personas de la infección y, por ende, de sus espantosas secuelas.

Pedro Gargantilla es médico internista del Hospital de El Escorial (Madrid) y autor de varios libros de divulgación

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LA VIDA Y TRAYECTORIA INTELECTUAL DE KARL MARX SERÁN ADAPTADAS EN ANIME

LA BIOGRAFÍA KARL MAX, EL AUTOR DE ‘EL CAPITAL’ Y OTRAS OBRAS FUNDAMENTALES DEL PENSAMIENTO ECONÓMICO Y SOCIAL, LLEVADA A UNA SERIE DE ANIME
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El anime es una de las formas de animación más populares de nuestra época. Como sabemos, su origen es japonés, y es posible que el exotismo que asociamos con esa cultura sea una de las razones de nuestra atracción por dicha forma de expresión gráfica y creativa. Después de todo, en Occidente la diferencia, y aun la contradicción cultural, han sido de los grandes motores del arte y sus disciplinas. Recientemente se anunció, por ejemplo, la adaptación del universo distópico de Blade Runner, que correrá a cargo del creador de Cowboy Bebob, y también antes Los mitos de Cthulhu, de H. P. Lovecraft, ha sido llevado a dicho género.

En esta ocasión hablamos de anime para hacer referencia a una adaptación que se realizará próximamente de la vida y la obra de Karl Marx, una figura fundamental en la historia del pensamiento económico y social del ser humano, que con estudio, perseverancia e inteligencia sentó las bases para entender el sistema económico que llamamos capitalismo: sus orígenes, sus mecanismos, las razones de su existencia, etc., y con ello contribuyó enormemente a dar cuenta de las condiciones materiales que dan lugar a determinadas formas de vida. A Marx se debe, en buena medida, que podamos entender la vida así: como resultado de las circunstancias materiales que se encuentran dadas en la realidad o son obra del ser humano, pero en ningún caso están determinadas por entidades suprahumanas o divinas.

El trabajo que Marx emprendió para desarrollar estas ideas fue arduo y en muchos momentos le significó penuria. Para nadie es un secreto que a lo largo de su vida (al menos de su vida productiva) contó con el apoyo de su esposa, Jenny von Westphalen, hija de una acaudalada familia de la aristocracia prusiana, y de su amigo más cercano, Friedrich Engels, hijo de un importante empresario textil inglés. 

El trabajo intelectual no siempre es reconocido de la mejor manera, y las obras de artistas, filósofos y otro tipo de creadores se celebran una vez que sus autores han muerto y el público aprende por fin a apreciarlas. El caso de Marx no es la excepción: en vida tuvo que recurrir al “patrocinio” de Westphalen y de Engels para poder continuar con la labor de estudio e investigación que a la postre se revelaría decisiva para comprender la historia humana, y que ya en su época le valió serios diferendos con intelectuales como los anarquistas Bakunin y Proudhon, los jóvenes hegelianos y otros políticos y pensadores.

Estas y otras vicisitudes, decíamos, serán adaptadas en un anime auspiciado por el gobierno de China. La serie se realiza en el marco del 200º aniversario del nacimiento de Marx (celebrado este año), lleva por título El líder y será difundida en la plataforma bilibili.com (aunque todavía no se sabe la fecha de su estreno). Hasta el momento sólo se conoce un avance, que ya ha generado cierto interés.

A propósito, recordemos que El capital, la obra cumbre de Marx, tuvo una adaptación reciente en manga (el equivalente en historieta del anime), misma que fue publicada en español en 2013 por la editorial Herder, en una edición de dos tomos. Asimismo, el año pasado se estrenó la cinta El joven Marx, dirigida por Raoul Peck (2017), que se enfoca en la época anterior a la redacción del Manifiesto del Partido Comunista, cuando Marx abandonó la concepción “idealista” de la realidad y se dio cuenta de que ésta se explica sólo a través de sus condiciones materiales.

En cuanto a la adaptación china, es probable que no esté exenta de fines propagandísticos, pero sin duda vale la pena conocerla. 

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‘BLADE RUNNER’ SERÁ ADAPTADA COMO SERIE DE ANIME POR EL DIRECTOR DE ‘COWBOY BEBOP

UN PROYECTO AMBICIOSO PARA AMPLIAR EL UNIVERSO ‘BLADE RUNNER’
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Esta noticia sin duda complacerá tanto a los amantes del anime como a los de la ciencia ficción, que si bien no necesariamente son los mismos, encontrarán una satisfacción común en la realización de este proyecto.

Se trata de la adaptación de Blade Runner como una serie de anime. Como sabemos, este mítico título tiene su origen en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, en la que el autor exploró el problema de la identidad humana (y la posibilidad de que una inteligencia artificial pudiera imitarla) bajo las claves de un universo futurista y distópico. La obra fue llevada al cine en 1982 por Ridley Scott, con resultados que de inicio fueron poco comprendidos pero que poco a poco, conforme pasaron los años, revelaron el gran trabajo cinematográfico que había realizado el director. Finalmente, el año pasado, se presentó una secuela: Blade Runner 2049, dirigida por Denis Villeneuve, que retoma la línea narrativa dejada por el clásico de los años 80.

En esa línea, ahora la estafeta ha sido otorgada a Shinichiro Watanabe, animador conocido en el mundo del anime sobre todo por la serie Cowboy Bebop (1997-1998), ampliamente celebrada por su capacidad para combinar los motivos de la estética western y noir con la animación japonesa. Por este trabajo, Watanabe parece un candidato más que idóneo para dar nuevos aires al universo de Blade Runner.

La adaptación será en este caso en un formato de serie cuyo título será Blade Runner—Black Lotus. Cronológicamente, contará hechos que ocurren en el año 2032, esto es, entre el cortometraje Black Out 2022 (que compartimos a continuación) y la cinta Blade Runner 2049.

Cabe mencionar que el cortometraje referido y otros dos conforman tres antecedentes dados a conocer recientemente a través de Internet, sin duda con el fin de conformar poco a poco una suerte de microuniverso en torno a Blade Runner y hacer de ésta una franquicia.

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El lado oscuro de Stan Lee que no conocías

lado oscuro de stan lee

Stan Lee no creó por su cuenta a los X-Men, ni a Spider-Man y se encargó de reducir el crédito a sus compañeros. Era el Steve Jobs de los cómics.

Se dice que no puedes llegar muy alto sin traicionar a unas cuántas personas en el camino. Stan Lee es la prueba más fiel de ello. Aunque la gente actualmente lo alaba como uno de los creadores más importantes del Siglo XX y “el contribuidor más ávido a la cultura popular”, Stan Lee tuvo que trabajar muy duro para ello. Con eso nos referimos a que tuvo que hundir algunos nombres en el camino y mantener una imagen positiva todo el tiempo para mantener ese estatus, ocultando un lado oscuro que sólo unos pocos conocían.

Claro, su legado será intachable, pero tenemos que recordar lo siguiente, para darnos cuenta que para convertirse en un ícono, es necesario apuñalar unas cuántas espaldas.

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Su historia con Jack Kirby y Steve Ditko, los verdaderos héroes

Asimismo, desde que comenzaron a trabajar, Stan Lee decía que era el creador individual de todo, y así lo acreditaba Marvel, ya que Lee usaba el ahora llamado “Método Marvel”, el cual hacía que los escritores líderes se quedaran con el crédito de todo sin haber realizado el verdadero trabajo de realizar una historia. En 1968, en entrevista Lee explicó que realizar un cómic consistía en pensar en una historia rápida, darle los “beats” al ilustrador y dejar que el artista creara la historia, sólo para llenar los cuadros de diálogo después. Entonces, llegó a un punto en el que creaba el concepto de un personaje y dejaba que Kirby pensara en todo lo demás, incluyendo en un guión gráfico entero que sólo tendría que ser llenado con palabras.

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Lo mismo sucedió con Steve Ditko cuando “creó” Doctor Strange y Spider-Man. Desde su concepción, Lee se ha acreditado la creación de los personajes, afirmando que Ditko sólo fue el dibujante, demostrando que el escritor no conoce el proceso colaborativo. Lee no era un artista y no diseñó a los personajes, sino el mismo Ditko. De hecho, en un documental sobre el dibujante, Lee dijo que sigue sin pensar que el hombre fuera co-creador, y a pesar de que el entrevistador le dice que si hubiera sido dibujado diferente no sería un éxito, Lee se mantuvo firme sobre su opinión.

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Aunado a esto, algunos expertos en cómics han puesto en duda las razones por las cuales los créditos en los cómics siempre cambiaban, y apuntan a que posiblemente Stan Lee los escribía de tal forma en que pareciera que su involucramiento era más profundo, en especial en los cómics con mejor recepción. En algunos decía “escrito por”, en otros “guionista”, en otros “script por”, mientras que Kirby sólo recibía el crédito de artista, a pesar de ser responsable de algunas de las historias. Lee declaró en otra entrevista que a veces sólo le decía al dibujante “¡Quiero al Dr. Doom en el siguiente número!”, y Kirby tenía que hacerse cargo de ello.

Cuando eran cuestionados, Kirby y Ditko, siempre afirmaban que su trabajo había sido colaborativo con Lee, mientras que Lee buscaba tener crédito absoluto. Algunas otras historias apuntan a un Stan Lee inseguro que siempre pensó que sería visto como alguien que subió en Marvel con ayuda de “hombres más grandes”, lo cual sucedió al inicio de su carrera, así que eso lo convirtió en un ególatra y en un jefe abusivo con algunos de sus empleados, como ha sido reportado.

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Jack Kirby es el principal responsable de la mayoría de los cómics de X-Men, los Cuatro Fantásticos, y Hulk. Junto con Joe Simon creó al Capitán América. Por su parte, Ditko se merece el diseño y la imagen de Spider-Man y Doctor Strange, todos personajes que comúnmente son atribuidos a Lee. Era el Steve Jobs de los cómics.

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Mary Jane murió de cáncer por su exposición al semen radioactivo de Spiderman

Strambotic

Mary Jane murió de cáncer por su exposición al semen radioactivo de Spiderman

Ahora que tan en boga está el hombre-araña, con todos sus detractores animados a cargar contra él con una inmensa batería de datos científicos que no podría rebatir el superhéroe de Marvel, es el momento de sacar más trapos sucios. Poco importa que pudiera o no trepar, solo con sus manos, las paredes de un edificio o caminar por el techo. Lo verdaderamente importante en toda la trama protagonizada por Peter Parker es cómo el personaje de Stan Lee (D.E.P.) y Steve Ditko iba sembrando el caos, no solo con sus telas de araña, sino también con su semen.

Ocurrió en ‘Spider-Man: Reign‘, una serie limitada de cuatro cómics escrita e ilustrada por Kaare Andrews que vio la luz entre diciembre de 2006 y marzo de 2007. En ella, la firma Marvel trasladaba el mundo de Spiderman a una distopía en la que Peter Parker es tan solo otro habitante más de una ciudad de Nueva York en la que ya no existen superhéroes ni villanos. No obstante, un niño que aparece en escena, una pintada en la pared dirigida al hombre araña con la que le preguntan “¿A dónde te fuiste?” y la insistencia de J. Jonah Jameson, su antiguo jefe en el Daily Bugle, le hacen reencontrarse con su destino.

Efectivamente, al ver algunos de sus antiguos trajes decide volver a enfundarse sus mallas para salir a combatir el crimen. El alcalde Waters, que era entonces quien tenía el control de Nueva York, decide crear un escuadrón de seis supervillanos que den caza a Spiderman. Así, rescata las versiones de ElectroMysterioEl CazadorKraven, El Hombre de Arena y Scorpion.

A lo largo de toda la trama, Peter Parker tiene visiones con su amada Mary Jane Watson. Ella está presente en multitud de viñetas y es la gran protagonista de uno de los pasajes más dramáticos y esperpénticos de la historia de los cómics de Marvel. Por si no fuera suficiente con sobrevivir al ataque de hasta seis archienemigos dispuestos a acabar con Spiderman, de debajo de la tierra surgen los tentáculos robóticos del doctor Otto Octavius que estaban programados para darle motivos a Spiderman para volver a la acción.

Mary Jane murió de cáncer por su exposición al semen radioactivo de Spiderman

Es él precisamente quien le muestra a Peter Parker las tumbas de su tía May, su tío Ben y, por supuesto, el lugar donde yace el cuerpo de Mary Jane. Y es aquí, en este instante, donde se marca un antes y un después en el devenir de la trama de Spiderman. Porque, al mostrar el cuerpo de la que fuera su amada, el protagonista del cómic recuerda el motivo por el que murió. Efectivamente, no fue algo natural.

Algo en lo que nadie pensó jamás acerca del picotazo de aquella araña radioactiva que dio poderes a Peter es que, más allá de permitirle lanzar telarañas y escalar edificios, hubo más reacciones en su cuerpo. Las células radioactivas presentes en la sangre del protagonista hicieron que no solamente pudiera combatir el caos, sino que también se expusiera a un riesgo terrible al tener relaciones sexuales con su amada Mary Jane.

Cuando esto ocurría, el semen de Peter contaminaba el cuerpo de su compañera de aventuras. Así, en ‘Spider-Man: Reign‘, Parker rememora cómo perdió a su pareja y nos muestra esta realidad, tan lógica por una parte y esperpéntica por otra, que dibujó Kaare Andrews. Pero aún había más.

Por si no fuera suficiente el daño que inflingió al cuerpo de Mary Jane Watson con la carga radiactiva que portaba en su cuerpo, Peter Parker antepuso su obsesión por cumplir con su deber cuando ella agonizaba en su lecho de muerte y optó por dejarla sola para ir a combatir el mal mientras la vida de ella tocaba a su fin por culpa de su maldito semen. De hecho, al regresar de la trifulca que hubo en la ciudad, su amada se marchó para siempre.

Mary Jane murió de cáncer por su exposición al semen radioactivo de Spiderman

Obviamente, para evitar ‘spoilers’ innecesarios, no contaremos lo que sucede en esta serie limitada de cómics de Kaare Andrews. Como solía ocurrir en cada trama, al caer en la cuenta del daño que había causado a sus seres queridos, Peter Parker se replanteaba deshacerse de Spiderman para regresar al poco tiempo, enfudarse la malla y evitar que los malvados hicieran lo que les viniera en gana.

En cualquier caso, el semen radiactivo de Spiderman no es la única sorpresa que aguarda en los cómics de este superhéroe de Marvel. La boda de su tía May con el doctor Octopus o el pacto entre el hombre-araña y el mismísimo Belcebú son algunas de las más destacadas genialidades que pasaron por la mente de los guionistas y dibujantes que dieron vida a este personaje de ficción. ¿Quién no quiso de pequeño escalar edificios y lanzar telarañas? Eso sí, a medida que pasa el tiempo y vamos conociéndolo, menos nos seduce la idea de que nos pique una araña radioactiva. Mejor quedarnos como estamos, caminando con los pies por el suelo.

Con información de Marvel.WikiaElConfidencialSpiderman.Wikia y ABC.

https://blogs.publico.es/strambotic/

El legado desconocido de Stan Lee

El legado desconocido de Stan Lee
photo by Alan Light
Photo of Stan Lee at the 1975 San Diego comic con, with the text “To amazin’ Alan – Excelsior! Stan Lee ’75”

 

Ha muerto Stan Lee dejando el mayor legado creativo de la historia del comic. Pero además de ser el genio que convirtió a Marvel en la multinacional que conocemos ahora Stan Lee ha sido uno de los mayores promotores de valores como la diversidad, la igualdad y la justicia, a través de una narrativa innovadora dirigida a todos los públicos. 

En general los personajes Stan Lee son todos raros, son personas potencialmente malditas, inadaptadas, que tienen que mantener su esencia oculta para no ser rechazados y viven esa dualidad con cierta dificultad. Pero en le caso de los X Men este debate de la diversidad está llevado al extremo. Los personajes tiene que elegir luchar por ser reconocidos en su diversidad a través del bien y la colaboración o convirtiéndose en villanos que sustituyen un racismo por otro. Así el personaje de Charles Xavier cree en la humanidad, a la que ayuda, defiende e intenta enseñar a convivir con sus mutantes que conforman la comunidad X. Enfrente nos encontramos con Magneto, un personaje judío que, gracias a sus poderes, sobrevive a la muerte de sus padres, su madre asesinada delante suyo, en un campo de exterminio nazi y está lleno de odio por el ser humano. Los diálogos entre Magneto y Charles Xavier, que se consumen de forma ociosa en los comics de Stan Lee, abordan conflictos que están de absoluta actualidad hoy en día. En este sentido los comics de Stan Lee son una obra de arte de la narrativa social, uno de los mayores y más efectivos cantos a la diversidad representada por héroes admirables a los que en general los lectores se quieren parecer, pese que además de enormes virtudes estos héroes están llenos de fragilidades y defectos. Esa humanización de los héroes es también una de las cosas que Lee aportó la narrativa de los comics. 

Su lucha contra le racismo y la xenofobia no solo fue implícita también lo ha sido explicita. Stan Lee nació en Nueva York en el seno de una familia de origen rumano-judía de clase trabajadora. En 1941 participó en la segunda guerra mundial. En 1961 se consolidó como una pieza indispensable de Marvel cuando creó a los 4 fantásticos. Tenía 40 años y una sólida conciencia social, en un momento en que Kennedy llegaba al poder, y Martin Luther King se consolidaba como la figura clave en la lucha pacífica contra le racismo en Estados Unidos. Los tres crecieron en paralelo, hasta que en 1963 Kennedy era asesinado, y M.L. King llevaba a cabo su marcha sobre Washington. Cuando en 1968 el reverendo King es asesinado Stan Lee publica la siguiente carta:

“Dejemos las cosas claras. La intolerancia y el racismo están entre los males sociales más mortíferos que están plagando el mundo hoy día. Pero, a diferencia de un equipo de supervillanos disfrazados, no pueden ser detenidos con un puñetazo, o con una pistola de rayos. La única manera de destruirlos es exponerlos – para revelarlos como el insidioso mal que son en realidad. La intolerancia es un odio irracional – un odio ciego, fanático, indiscriminado. Si su objetivo son las personas negras, odiará a TODAS las personas negras. Si un pelirrojo le ofendió una vez, odiará a TODOS los pelirrojos. Si un extranjero le superó en un puesto de trabajo odiará a TODOS los extranjeros. Este odio es hacia las personas que nunca ha visto – y personas que nunca conoció – con la misma intensidad – con el mismo veneno. Ahora, no estamos diciendo que no sea razonable que un ser humano moleste a otro. Pero, a pesar de que cualquiera tiene el derecho de que no le guste otra persona, es totalmente irracional e insano condenar a toda una raza – despreciar a una nación entera – mostrar desprecio a toda una religión. Tarde o temprano, debemos aprender a juzgar a los demás por sus propios méritos. Tarde o temprano, si el hombre quiere ser digno de su propio destino, debemos llenar nuestros corazones de tolerancia. Porque entonces, y sólo entonces, seremos verdaderamente dignos del concepto de que el hombre fue creado a la imagen de Dios – un Dios que nos llama a TODOS – Sus hijos -.”

50 años mas tarde, Stan Lee publica en su twitter la carta tras la masacre de Charlottesville: “tan cierto hoy como lo era en 1968”.

Ha pasado un año desde que Stan Lee publicara de nuevo su carta y las cosas no van a mejor. La intolerancia está presente en una gran parte de los gobiernos de Europa, en Estados Unidos y desde hace unas semanas en Brasil. Y como dice Stan Lee solo podremos pararlo evidenciándolo. Pero como pasara en el año 1968, y como sucede en las historias del los Xmen, tenemos tener cuidado de que las injusticias que vivimos no nos cieguen y nos convirtamos nosotros también en parte de ese movimiento intolerante, que desprecia irracionalmente a los que no son como nosotros. 

Descanse en paz Stan Lee y vivan para siempre sus historias y sus ideas. 

Lucila Rodríguez-Alarcón

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¿Cuáles son los mitos culturales del siglo XXI?

¿Cuáles son los mitos culturales del siglo XXI?

Desde la izquierda: Tom Holland, Robert Downey Jr., Dave Bautista, Chris Pratt y Pom Klementieff en “Vengadores: Infinity War”. CreditMarvel/Disney

Atención a las cinco películas que están arrasando en la taquilla de este año. Vengadores: Infinity War, sobre un grupo de superhéroes creados a principios los años sesenta que se unieron por primera vez en un cómic de 1963. Pantera Negra, que convierte en protagonista de nuestra época a un personaje que debutó como secundario de Los Cuatro Fantásticos en 1966. Mamma mia: Una y otra vez, cuya banda sonora es de ABBA, un grupo que lanzó sus grandes éxitos en los años setenta. La sexta entrega de la saga Misión Imposible, basada en una serie de televisión de los años sesenta y setenta. Y Los increíbles 2, una película de animación sobre una entrañable y simpática familia superheroica que vive en… ¿adivinan? ¡Sí! ¡Los años sesenta!

Cuando nos despertamos en la segunda década del siglo XXI, la mitología del siglo XX seguía allí. El éxito de Harry Potter ha explotado exponencialmente en estas dos décadas, pero las novelas están ambientadas en los años ochenta y noventa. Los niños de hoy todavía usan pijamas de Mickey Mouse, quien dentro de diez años cumplirá un siglo de vida. Y en carnaval se visten como Superman, Batman o el Capitán América, que nacieron en plena Segunda Guerra Mundial. Aunque Frozen o La patrulla canina hayan ocupado un espacio importante en el imaginario infantil de nuestra época, siguen siendo predominantes los personajes del siglo pasado de los universos de Disney, Marvel y D.C.

Muchos de esos mitos también entretienen masivamente al público adulto, que se mantiene fiel —en su amor esquizofrénico— tanto a la saga setentera de Guerra de las Galaxias como a los nuevos discos y conciertos de sus contemporáneos Bob Dylan o The Rolling Stones.

¿Cuáles son los mitos culturales del siglo XXI?

Emilia Clarke y Kit Harington en “Juego de tronos” CreditHBO

Son pocos los nuevos iconos en el horizonte de la gran mitología popular del siglo XXI. No es casual que varios de ellos pertenezcan a Canción de Hielo y Fuego, la serie de novelas de George R. R. Martin, gracias sobre todo a su versión televisiva, Juego de tronos. No es casual porque las series de televisión se han convertido en la nueva máquina de generar mundos globalmente reconocibles. De Los Soprano a El cuento de la criada, pasando por Perdidos o Mad Men, la mayoría de los personajes que han engendrado más odio o admiración en los últimos años han nacido en la pequeña pantalla (la de la TV, el ordenador portátil o el teléfono móvil).

Aunque nuestra realidad ya no admita jerarquías ni centros —y sin consenso mayoritario no hay mitología—, lo cierto es que los mitos del siglo pasado han sabido pervivir en el nuestro con un protagonismo indiscutible. ¿Por qué ninguna serie de los últimos años ha logrado construir un personaje tan perdurable como Spiderman? ¿Por qué, si vamos más atrás, Sherlock Holmes o Hércules Poirot siguen reencarnándose en cómics, películas, series, obras de teatro, musicales o videojuegos? Más allá del tapón generacional o del tiempo que exigen los dioses para acumular los estratos de lecturas, versiones e interpretaciones que les aseguran la posteridad, es necesario preguntarse —con Bugs Bunny, creado en 1940—: ¿qué hay de nuevo, viejo?

Pues lo que hay de nuevo son, por ejemplo, los peluches de Ty. Aunque los primeros Beanie Babies surgieron en los ochenta y pronto se convirtieron en piezas de colección, fue en los años dos mil cuando la línea de juguetes protagonizó uno de los primeros fenómenos de venta en línea.

En la actualidad entre los suaves animalitos de ojos brillantes encontramos no solo a ratones o pingüinos, sino también a Garfield, los cachorros de La patrulla canina o todos los unicornios de Mi pequeño pony. Lo mismo ocurre con Funko Pop!, esos muñequitos cabezones que se encarnan en cualquier personaje pop, convirtiendo tanto a Popeye o a Dumbo como a los protagonistas de Stranger Things en enanitos del mismo tamaño y, de paso, en piezas de la misma infinita colección.

¿Cuáles son los mitos culturales del siglo XXI?

El local de Funko en la Feria Internacional del Juguete de América del Norte tuvo una gran afluencia de visitantes en 2017. CreditDamon Winter / The New York Times

Le podríamos llamar la lógica Lego. Todo puede construirse con esos pequeños ladrillos de colores. Todos los mundos son reproducibles en Legolandia o en las películas y series de animación de Lego: ninjas, caballeros medievales, superhéroes, cualquier imaginario. Aunque el juego de construcción no sea un invento del siglo XXI, sí lo son sus variaciones audiovisuales. Unas historias que demuestran que todo puede traducirse al formato Lego, igual que cualquier personaje puede tener su versión Beanie Baby o Funko Pop!

¿Son esas plataformas transversales los mitos que está generando nuestra época? Es muy probable. Ahora que Google cumplió veinte años, podemos observar el buscador como un parque temático o como un universo, diseñado para que pases en él el mayor tiempo posible. Si buscas los ganadores de los Oscar, te muestra las caras de los actores o los pósteres de las películas, para que no acudas a las fuentes que dieron la noticia.

Y si buscas a Platón o a Clarice Lispector, te enseña en un recuadro parte de lo que Wikipedia dice sobre ellos, para que no cliquees el vínculo y te vayas con tu música a otra parte.

Lo mismo hacen Facebook o Twitter o Netflix, contenedores gigantescos que ofrecen innumerables mitologías, al tiempo que ellos mismos se van convirtiendo en mitos. Como el Monte Olimpo, como la Biblia, como el Multiverso, esas marcas globales son espacios virtuales polimorfos que albergan múltiples imaginarios. Los personajes o los mundos narrativos pueden pasar de moda, pero los nuevos dioses, con su catálogo infinito de imágenes y relatos, están diseñados para perdurar.

https://www.nytimes.com/es/

Un cómic para explicar a los niños que la Tierra es plana y rescatarles del “adoctrinamiento de los terrabolistas”

Iñaki Berazaluce

Un cómic para explicar a los niños que la Tierra es plana y rescatarles del “adoctrinamiento de los terrabolistas”

“Soy padre de un niño de cinco. Le educamos en casa. Estoy feliz de formar parte de un grupo que valora la educación por delante del adoctrinamiento: ciencia observable, comprobable y respetable frente a “cientifismo” teórico”. Es uno de los comentarios que puede encontrarse en el grupo de Facebook Flat Earth Kids (“Bienvenidos a la verdad”), que trata de persuadir a los niños de que no vivimos en una esfera -como nos hacen creer los de la NASA- sino en una especie plato en suspensión.

El grupo, originalmente en inglés, ya tiene su versión en castellano y promete horas de diversión para los internautas de todo el globo (con perdón). Una de las secciones estrella es un cómic en el que un terraplanista llamado “Ario” (sic) explica al niño protagonista, Johnny/Juanito, las “mentiras” que trata de inculcarnos la “versión oficial”.

Un cómic para explicar a los niños que la Tierra es plana y rescatarles del “adoctrinamiento de los terrabolistas”

La historieta comienza con una visita al museo de ciencias naturales, donde Johnny aprende que los “dinosaurios nunca existieron” y los supuestos fósiles que se siguen encontrando están en realidad “manufacturados”, son un fake, vaya. ¿Y cuál es el interés de fabricar miles de falsos fósiles y esqueletos y repartirlos por todo el planeta? Según Ario, “la idea es hacernos creer en la evolución y en una tierra globo para negar la existencia del Creador”. ¿No querías conspiración? Toma dos tazas: los terraplanistas se llevan también por delante la teoría de la evolución.

La segunda parte de la aventura de Ario y Juanito transcurre en las instalaciones de la NASA, que viene a ser el cuartel general de los “terrabolistas”. Este es el lugar escogido para quitarle al crío cualquier ilusión de ser astronauta: “Nos quieren hacer creer que los transbordadores abandonan la Tierra y se ponen en órbita, pero en realidad aterrizan en el océano, allí donde nadie puede verlos… Incluso la Estación Espacial Internacional no está realmente allí, es un avón llamado “Zero-G”. Emosido engañados, Juanito.

Un cómic para explicar a los niños que la Tierra es plana y rescatarles del “adoctrinamiento de los terrabolistas”

Pincha fuerte en la imagen para verla a tamaño completo.

Esperamos ávidos el tercer episodio de esta emocionante aventura. Si nos están leyendo los terraplanistas sugerimos situarlo en Australia, un territorio que -según aseguran algunos seguidores de la Tierra plana- no existe, y sus “presuntos” habitantes son en realidad un puñado de actores (alrededor de 20 millones) pagados por, cómo no, la NASA para mantener su mentira en marcha.

Seguiremos informando.

Visto en Facebook.

https://blogs.publico.es/strambotic

‘El asesino dentro de mí’: un clásico instantáneo del cómic

Desde que muriera en 1977, la influencia de la obra de Jim Thomson ha traspasado los límites de la novela negra. Porque a un escritor del tamaño del norteamericano le queda pequeño el estrecho traje de cualquier género literario con sus medidas estándar. Thomson rompió todas las costuras; y aún hoy, lo continúa haciendo. Sus novelas son reeditadas continuamente y sus admiradores siguen creciendo año tras año. Si te gusta Thomson, no tiene por qué gustarte la novela negra; pero si te gusta la novela negra, te gustará Thomson. Ya prácticamente nadie duda de su presencia con total merecimiento en ese pódium del Noir formado por Raymond Chadler, Dashiell Hammett y él.

La editorial Planeta Cómic acaba de publicar en formato de novela gráfica una de las obras más potentes de Jim Thomson: El asesino dentro de mí. Una verdadera maravilla cuidada hasta el más mínimo detalle desde la introducción, escrita por un tal Stephen King (sí, él también es admirador de Jim Thomson, ¿lo dudaban?). Casi nada. El cómic se mantiene fiel al original sobre todo en su esencia, en eso que hace único a Thomson: la descripción del psicópata, no sólo de sus actos, sino de su mente. Y cómo la sociedad se va pareciendo más a ellos, por eso se sienten tan cómodos, por eso casi es el mundo el que les pone en bandeja el que sigan matando.

Lou Ford es el atractivo y educado ayudante del sheriff de Central City, una localidad petrolera al oeste de Texas. Todos en el pueblo piensan que Lou es un tipo tranquilo, algo corrupto y sin muchas luces. Pero esa afabilidad es solo apariencia. Algo en él se despierta cuando conoce a Joyce Lakeland, una prostituta que quiere casarse con el hijo del magnate del pueblo para después sacar todo lo que pueda en el divorcio. Ese algo que revive dentro de él es “la enfermedad”, la misma que le llevó a matar a una niña de tres años en su infancia. “La enfermedad” no se había marchado, seguía allí, agazapada en su interior esperando para salir. Y Lou siente alivio cuando la libera, cuando se deja llevar por la feroz y sangrienta violencia criminal que le hace sentir vivo.

El comic mantiene a Lou como narrador de su propia historia, que sea él, en primera persona el que nos lleve por los recovecos de su mente. Los dibujos limpios de Vic Malhotra, y el guión de Devin Faraci convierten a este comic en un imprescindible, una prueba de lo que se puede hacer con cuidado, respeto y buen gusto. La obra destila devoción por la novela de Thomson. Una maravillosa noticia para todos los que admiramos al escritor. Un clásico súbito.

http://blogs.publico.es/la-oveja-negra