Los escritores de ‘Avengers: Endgame’ hablan de las muertes y los destinos de sus protagonistas

[Atención: en este trabajo se revelan y discuten muchos detalles de la película de Marvel].

Los escritores de ‘Avengers: Endgame’ hablan de las muertes y los destinos de sus protagonistas
El equipo de “Avengers: Endgame” incluye a Brie Larson (Capitana Marvel), Scarlett Johansson (Black Widow), Don Cheadle (War Machine), Chris Hemsworth (Thor), Chris Evans (Capitán América) y Bradley Cooper (la voz de Rocket). CreditMarvel Studios

Se acabó.

Con Avengers: Endgame, la trama específica que empezó con Avengers: Infinity War termina, al igual que el ciclo de veintidós películas que representa lo que existe, hasta la fecha, del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). Además, algunos de los héroes que hemos seguido en esa década de aventuras también se fueron.

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En las tres horas que dura Endgame, los Vengadores pelean y matan a Thanos (interpretado por Josh Brolin), quien usó el Guantelete del Infinito para, con un chasquido, eliminar a la mitad de los seres vivos en el universo. La historia continúa, cinco años después, cuando los Vengadores que quedan están llenos de arrepentimiento y pesar, hasta que el inesperado regreso de Ant-Man (Paul Rudd) desata una carrera por el tiempo para tomar las Gemas del Infinito antes de que Thanos las consiguiera. Iron Man (Robert Downey Jr.) muere en la batalla y Capitán América (Chris Evans) encuentra una manera de vivir la vida que siempre quiso tener, antes de reaparecer como un anciano para confiarle su escudo a su amigo Sam Wilson, Falcon (Anthony Mackie).

Los escritores de ‘Avengers: Endgame’ hablan de las muertes y los destinos de sus protagonistas

Christopher Markus (izquierda) y Stephen McFeely son guionistas de seis de las películas del Universo Cinematográfico de Marvel. CreditElizabeth Weinberg para The New York Times

Estos y muchos otros sucesos de Endgame surgieron de las mentes de los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely, quienes también escribieron Infinity War (ambas películas fueron dirigidas por los hermanos Joe y Anthony Russo). Markus y McFeely han sido amigos y colaboradores desde los años noventa y también son responsables de los guiones de los tres filmes del Capitán América y de Thor: Un mundo oscuro (junto con Christopher L. Yost), además crearon Agent Carter,la serie televisiva de Marvel.

En una entrevista reciente en sus oficinas de Los Ángeles, Markus y McFeely hablaron de las muchas posibilidades que ofrecía Endgame, los caminos que no tomaron y las decisiones sobre los personajes que morirían.

Decidir la trama

¿Cómo determinaron en qué momentos iban a suceder los grandes eventos de Infinity War y Endgame?

CHRISTOPHER MARKUS: El mayor momento probablemente fue el chasquido. Nos dimos cuenta bastante temprano de que si no lo hacíamos al final de la primera película, no tendríamos un final formal. Y si lo hacíamos muy temprano en esa película iba a ser anticlimático que, después de matar a la mitad del universo, estén media hora moviéndose en la incertidumbre.

STEPHEN McFEELY: Otro gran momento es decidir cuándo regresan todos. La pregunta era ¿debe ser al principio de la segunda película o más adelante? Las fichas que seguían en el tablero eran los Vengadores originalmente reunidos [Capitán América, Iron Man, Thor, Hulk, Black Widow y Hawkeye] y teníamos que darles su tiempo. Eso significaba que el regreso de los demás sucedería después. Entonces si alguien es muy fanático de Doctor Strange o Pantera negra o Bucky [el Soldado de Invierno] o Sam [Falcon], solo tendría una ventana determinada de tiempo para verlos. No puede ser una película que cumpla con absolutamente todo lo que quiere la gente.

¿Cómo decidieron qué personajes iban a sobrevivir en Endgame?

MARKUS: La verdad queríamos que el Capitán y Tony vivieran con el resultado del chasquido para verlos sufrir. Por eso es que el Capitán y Natasha aparecen relativamente poco en la primera película, porque lo único que harían ahí es dar golpes. Sabíamos que iban a tener muchos momentos en la segunda entrega mientras que otros tendrían más escenas en la primera, como los Guardianes.

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Una escena con los personajes Hawkeye, War Machine, Iron Man, Capitán América, Nebula, Rocket Raccoon, Ant-Man y Black Widow CreditMarvel Studios

Endgame te engaña un poco porque los héroes matan a Thanos casi de inmediato, solo para descubrir que con eso no resuelven nada. ¿Por qué era importante mostrar eso?

McFEELY: Siempre tuvimos el problema de que este tipo tenía el arma más poderosa. Era ridículo. Pensamos durante semanas hasta que un día, Trinh Tran [productora ejecutiva] dijo: “¿No podemos nada más matarlo?”. Y entonces empezamos a discutirlo: ¿Qué pasa si lo matan? ¿Por qué lo matarían? ¿Por qué dejaría que lo maten?

MARKUS: Al final eso refuerza las intenciones de Thanos: ya hizo lo que quería.

Hay mucha desesperanza y desaliento durante casi toda la primera hora. ¿Les pareció que ese tono era arriesgado para una película de gran presupuesto?

MARKUS: Se sintió menos arriesgado ya que vimos las reacciones a Infinity War. Nunca sabes cómo vas a impactar las emociones de la gente. Nosotros hemos estado repasando estos eventos durante años; ya casi no tenemos una reacción emotiva. Pero luego ves a la gente llorando en el cine… había que honrar eso para que no se sintiera que los habíamos engañado.

McFEELY: Ese es el momento en el que más incómoda estaba la gente en las proyecciones que hicimos para medir la reacción del público, porque hasta cierto punto es mucho de ahogarse en el arrepentimiento. No parece haber esperanzas. Al final del segundo acto en muchas películas los protagonistas son derrotados por unos cinco minutos. Aquí quedan derrotados por cinco años y eso nos parecía importante.

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Thanos en “Avengers: Infinity War” CreditDisney/Marvel vía Associated Press

Los cambios en los personajes

¿De qué manera decidieron el desenlace de los héroes en Endgame?

McFEELY: Chris y yo escribimos un documento base mientras rodábamos Capitán América: Guerra civil y una de las cosas que nos interesaba explorar era… ¿recuerdan los cómics de la serie What If?? Pues este es nuestro “qué pasaría si”: si pierden, Thor engorda; Natasha se recluye; Steve queda deprimido; Tony intenta seguir con su vida, y Hulk es el nuevo superhéroe.

MAKUS: Clint se convierte en un maníaco asesino. Cuando estábamos lanzando ideas para Endgame empezamos con: Thor está empecinado en vengarse. Y luego pensamos: bueno, pero ya estaba en eso desde la película pasada. Entonces mejor que se sienta deprimido; véamos qué pasa entonces.

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Black Widow y Capitán América tienen menos protagonismo en “Avengers: Infinity War” porque sus tramas fueron más destacadas en “Endgame”. CreditDisney

Al menos Hulk está relativamente bien.

MARKUS: Antes ya habíamos pensando en incluir a [Bruce] Banner como el Hulk Inteligente [también llamado Profesor Hulk]. Era muy divertido pero pasaba en el momento inapropiado, porque todos estaban decaídos.

McFEELY: Sucedía en Wakanda. Pensamos su trama como: “No me estoy llevando bien con Hulk, él no quiere salir” y entonces llegaban a un acuerdo y se vuelven el Hulk Inteligente.

MARKUS: Pero decidimos que ya fuera Hulk Inteligente para la siguiente película. Entonces la escena [de Endgame] donde lo ven en el restaurante era una manera de mostrarlo así, sin tener que incluir escenas de él en un laboratorio experimentando con cómo volverse esa versión. Por eso es muy importante tener a Rudd diciendo: “Estoy muy confundido”.

Cuando vieron el éxito de Pantera negra y de Capitana Marvel, ¿buscaron cómo darles más oportunidades de aparecer a esos personajes?

McFEELY: No tuvimos mucho tiempo para hacer ajustes, no podíamos nada más decir: “Rápido, agreguemos ahí a Shuri”. Empezamos a rodar [tanto Infinity War como Endgame] y luego empezaron a grabar Pantera negra mientras nosotros seguíamos. Ellos terminaron y nosotros seguíamos. Lo mismo sucedió con Capitana Marvel; grabamos las escenas antes de que ella [Brie Larson] rodara su película. Es decir, recitó los diálogos de un personaje cuando está veinte años después de sus inicios y cuando nadie había escrito ese filme. Es una locura.

Y, sin duda, Capitana Marvel aparece menos [en Endgame] de lo que quizá pensabas. Pero esa no es la historia que queremos contar; es la de los Vengadores originales lidiando con la pérdida y llegando a una conclusión. Ella es sangre nueva.

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Chadwick Boseman (izquierda) y Danai Gurira en “Pantera negra” CreditMarvel/Disney

Aventuras temporales

Aunque Ant-Man no aparece en Infinity War, vimos cómo lo afectó el chasquido en una de las escenas poscrédito de Ant-Man and the Wasp (Ant-Man y la Avispa en España). ¿Cómo aprovecharon eso para Endgame?

McFEELY: A finales de 2015 nos dijeron: van a escribir la decimonovena película [Infinity War] y la vigesimosegunda. Entonces nos dimos cuenta de que en la primera podíamos dejar fuera a Ant-Man porque tendría su propia película, que no se ve afectada por el tema, pero al mismo tiempo nos dio un posible camino para Endgame. Y eso es posible cuando se planea con tanta antelación.

¿De dónde tuvieron la idea para la trama de viajar en el tiempo?

McFEELY: Kevin [Feige, director de Marvel Studios] en algún momento nos dijo que le gustaría usar la Gema del Tiempo o aprovechar el tiempo como elemento. Eso nos dio algunas semanas para ver qué era lo más loco que podíamos hacer con eso sin que se desmoronara la película.

MARKUS: Por un tiempo estuvimos todos sentados y pensando: “¿De verdad vamos a hacer un viaje en el tiempo?”. Y entonces revisamos a qué personajes teníamos y justo salió Ant-Man. Y ahí aparece, en la teoría del Reino Cuántico, un elemento de tiempo que ya formaba parte del MCU con un personaje que no habíamos usado en la primera. Era una manera de hacerlo sin hacer trampa.

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Paul Rudd como Ant-Man, cuyo regreso posibilita mucha de la trama en “Avengers: Endgame” CreditDisney

Es clave para esta película que la manera en la que presentan viajar por el tiempo conste de no alterar el presente aunque se hagan cambios al pasado. ¿Cómo decidieron esto?

MARKUS: Vimos algunas historias sobre viajar en el tiempo y concluimos que no funciona de esas maneras.

McFEELY: Fue un poco por necesidad. Si tienes seis MacGuffins [término acuñado por Hitchcock en referencia a elementos que avanzan la trama sin ser claves en la trama] y cada vez que vas al pasado cambias algo se vuelve una situación exponencial de múltiples casinos de Biff [personaje de Volver al futuro que se enriquece con un almanaque deportivo llevado al pasado]. No podíamos hacer eso. Invitamos a algunos físicos que nos dijeron, básicamente, que Volver al futuro estaba equivocado.

MARKUS: Es básicamente lo que dice Hulk en una escena: si vas al pasado el presente se vuelve tu pasado y el pasado, tu futuro. No hay razón por la cual cambiaría.

¿Intentaron usar algún otro enfoque para la historia de viajar al pasado?

McFEELY: En el primer borrador no era un retorno a la primera película [de los Vengadores]. Era ir a Asgard, porque hay un momento en el MCU donde están ahí tanto el Teseracto [Gema del Espacio] como el Éter [la Gema de la Realidad] en la bóveda. Ahí mandábamos a Tony a Asgard.

MARKUS: Y Thor tenía varias escenas con Natalie Portman. Y luego Morag [el planeta donde Peter Quill/Star-Lord encuentra el Orbe, la Gema del Poder] era muy complicada.

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Chris Pratt en una escena de “Guardianes de la galaxia” que se vuelve a ver, desde otra perspectiva, en “Avengers: Endgame” CreditJay Maidment/Marvel Studios y Walt Disney Pictures

McFEELY: Lo que no permitía esa versión era que Thanos y sus hijas aparecieran en el momento indicado. Entonces sí lo ajustamos para que fuera cuando Peter Quill está ahí. Además nos dimos cuenta de que así podíamos planear que le den un golpe a Star-Lord, que es genial.

MARKUS: Había muchos otros viajes que no hicimos. Había uno al Triskelion [la sede de SHIELD] para conseguir el Teseracto y luego alguien más se subía en un auto para conducir hasta la casa de Doctor Strange.

McFEELY: Ahora que lo decimos en voz alta, realmente… ¿qué estábamos pensando?

McFEELY: No siempre acertamos. Poco después Joe Russo nos dijo: “¿Por qué vamos a esta película si solo podemos ir a The Avengers? Hagamos eso”.

Thor recupera su martillo, Mjolnir, cuando lo toma de un momento previo en su línea del tiempo. Entonces…

McFEELY: ¿Eso deja expuesto al otro Thor?

MARKUS: ¿Lo matan los elfos oscuros?

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Natalie Portman (izquierda) y Rene Russo en “Thor: Un mundo oscuro”CreditJay Maidment/Marvel Studios y Walt Disney Pictures

McFEELY: Creo que nos apoyamos en que si a un niño le quitas su guante de beisbol, no arruinas su vida. Cuando toma el Mjolnir aceptamos que esa película [Thor: Un mundo oscuro] sí sucedió, porque el tiempo es irrefutable.

MARKUS: Podría haber muchísimos “qué tal si”. Quizá sí llegaron los elfos oscuros en busca del Éter, pero ya no estaba ahí.

McFEELY: Entonces construyen juntos un paraíso.

MARKUS: Todos se casan entre sí [risas].

La última batalla

¿Cómo reaccionaron en Marvel cuando dijeron que querían una batalla masiva con casi todos los personajes de la franquicia?

MARKUS: Creo que ya se lo esperaban.

McFEELY: Por eso tardó tanto. Rodamos dos películas durante doscientos días.

¿Cómo coordinaron el momento donde todas las heroínas de Marvel se unen?

McFEELY: Hubo muchas conversaciones: ¿era algo encantador o muy indulgente? Lo pensamos mucho y al final concluimos que nos gustaba demasiado.

MARKUS: Parte de la diversión de las películas de los Vengadores siempre ha sido cómo se hacen equipos. Y Marvel ha estado juntando una alineación enorme de personajes, con todo y alienígenas. Hay muchas mujeres rudas, tres o cuatro personas en trajes de Iron Man.

¿Alguna vez dudaron sobre si cambiar la duración de tres horas de Endgame?

MARKUS: Todo el grupo estaba de acuerdo en que había que tomarnos nuestro tiempo; no íbamos a cortar media hora solo para que los cines pudieran mostrar una función más por día.

McFEELY: ¡Y no podíamos! ¿De dónde cortas media hora? No quitaría ni una secuencia.

MARKUS: Hay que fijarnos en las películas más populares de todo el tiempo; son muy largas. Cuando la gente quiere ver algo eso no parece ser impedimento. Hay películas cortas que no tienen éxito.

El fin de los trayectos

¿Por qué tiene que morir Natasha Romanoff?

McFEELY: Su camino, para nosotros, habría llegado al final en cuanto lograra recuperar a los demás Vengadores. Viene de un pasado terrible, abusivo, de control mental, entonces cuando llega a Vormir y tiene una manera de recuperar a su familia es algo por lo que sí se sacrificaría. Lo más difícil para nosotros fue que siempre nos preocupó que la gente no tuviera suficiente tiempo para estar triste; ahí sigue todo en juego y no han resuelto el problema. Pero perdimos a un personaje importante, uno femenino, ¿cómo le rendimos honores? Sí tenemos una mirada varonil; hay muchos tipos tristes porque murió una mujer.

MARKUS: A Tony se le hace un funeral, a Natasha, no. Eso en parte sucedió porque Tony era una figura pública enorme y ella siempre ha sido alguien menos conocida por el público general en el universo. No era completamente honesto que hubiera un funeral para ella. Lo más importante era lidiar con la pregunta que hace Thor en el muelle: “Tenemos las Gemas del Infinito, ¿por qué no la revivimos?”.

McFEELY: Pero es un intercambio infinito: la reviven y entonces pierden la gema.

¿En algún momento pensaron que sí fuera Clint Barton quien se sacrifica?

McFEELY: Sí hubo una versión así, claro. Jen Underdahl, nuestra productora de efectos visuales, leyó un borrador en el que Hawkeye moría y nos dijo: “No se les ocurra quitarle esto a ella”.

MARKUS: Y es cierto, que entonces para él la consecuencia sería que muere y no recupera a su familia. Era más apropiado que ella se despidiera así.

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Black Widow y Hawkeye CreditMarvel Studios

¿Es también necesario que muera Tony Stark?

McFEELY: Todos sabíamos que este iba a ser el final para él. La idea era ponerle fin a este capítulo y él lo empezó.

¿Consideraron que terminara de otra manera para Tony?

MARKUS: No. Porque teníamos la oportunidad de darle la vida perfecta en el retiro, dentro de la misma película.

McFEELY: A él ya le tocó esa vida.

MARKUS: Que era lo que estaba buscando. ¿Él y Pepper están juntos? Sí. Se casaron, tuvieron una hija, fue genial. Fue una buena muerte; no se siente como tragedia, sino como el fin heroico a una vida plena.

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Al final de “Avengers: Endgame”, Sam Wilson (Falcon) hereda el escudo del Capitán América.CreditZade Rosenthal/Marvel Studios y Walt Disney Pictures

Y qué tal el Capitán, ¿siempre pensaron que le tocara su final feliz con Peggy Carter?

McFEELY: Desde el primer resumen sabíamos que teníamos que darle el baile que soñaba. Pero con el paso del tiempo empecé a perder la noción de si solo era algo que contentaría a los fanáticos o si en realidad era bueno para el personaje. Creo que fue bueno para los personajes, aunque también le dimos a los fans lo que querían. ¿Es apropiado? No lo sé. Pero considero que es satisfactorio. Él pospuso su vida para cumplir con su servicio. Y por eso creo que nunca consideramos que muriera, porque ese no es su arco narrativo. Su situación es la de alguien que dice: “Finalmente voy a bajar el escudo porque me lo gané”.

MARKUS: Un héroe sin sacrificio… de eso no sacas el jugo necesario para una persona en estas películas. Eso es lo que los hace héroes, no los poderes.

¿Esta es su despedida de Marvel?

MARKUS: No sé cómo podríamos superar esto, ese es el problema. Aunque aún no tengo edad para jubilarme.

Si Endgame nos enseñó algo es que nunca deberías jubilarte.

McFEELY: Porque entonces te sacan del retiro y mueres.

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Reseña: ‘Avengers: Endgame’: Los amigos que hicimos en veintidós entregas

Reseña: ‘Avengers: Endgame’: Los amigos que hicimos en veintidós entregas

De izquierda a derecha: Jeremy Renner, Don Cheadle, Robert Downey Jr., Chris Evans, Karen Gillan, Rocket Raccoon (con la voz de Bradley Cooper), Paul Rudd y Scarlett Johansson en “Avengers: Endgame”.CreditMarvel Studios

“Jamás ha sido posible comprar un solo segundo del tiempo”, le dice un personaje a otro —me temo que no puedo ser más específico— más o menos a la mitad de Avengers: Endgame. Es muy cierto y, en el contexto del filme, totalmente falso. Esta película se trata de los ejes entrecruzados del tiempo y el dinero y, aunque no soy experto en las finanzas de los estudios de filmación, supongo que, a juzgar por lo que pagaron Disney y Marvel Studios para producirla, un segundo de la película sería suficiente para comprar un auto usado muy decente.

Entre el silencioso y escalofriante inicio y la última parte de los créditos, hay aproximadamente 10.860 (segundos, no autos). Eso significa que sin importar cuál sea el costo del boleto en donde vives, Avengers: Endgame podría considerarse una ganga. Con su duración de tres horas y un minuto, es más breve que TitanicEl padrino II o El gatopardo de Luchino Visconti. Y, aunque el tiempo no pasa volando, tampoco pasa demasiado lento. Las dos horas con cuarenta minutos de Infinity War (también dirigida por Joe y Anthony Russo) nos parecieron infinitamente más largas. Los principales objetivos de esta entrega —supuestamente la última— son saldar cuentas, concluir arcos narrativos y celebrar la victoria con momentos de comedia y algunas lágrimas sinceras.

¿Y por qué no? Hemos convivido con estos personajes y los actores que los interpretan durante más de una década y nunca hubo motivos para quejarse de los invitados, ni siquiera cuando los filmes se volvían caóticos, tontos, o cuando había demasiados personajes. En general, es bueno verlos de nuevo… y un poco triste decirles adiós.

Thor, interpretado por Chris Hemsworth, siempre algo neurótico para una deidad musculosa con un poderoso martillo, se ha dejado llevar; ahora es un Lebowski gordo con asuntos sin resolver con su figura materna. Máquina de Guerra (Don Cheadle), Viuda Negra (Scarlett Johansson) y Ojo de Halcón (Jeremy Renner) están más ocupados que antes. (Desearía que hubiera pasado lo mismo con Valquiria, interpretada por Tessa Thompson). Hulk (Mark Ruffalo) hizo las paces con su esencia dual. Robert Downey Jr., de cabello hermosamente cano, ejerce su papel de veterano con mano suave. Es el que tiene más antigüedad —la primera película de Iron Man fue lanzada en 2008— y combina los deberes de un jefe de superhéroes no oficial con los de un maestro de ceremonias.

No todo son juegos y risas. Muchos héroes murieron al final de Infinity War, y los sobrevivientes resienten mucho su pérdida, quizá sobre todo Nébula (Karen Gillan), cuyo padre fue responsable de la masacre. Desde luego, fue imperdonable que Thanos utilizara las seis Gemas del Infinito para acabar con la mitad de la vida en el universo —no puedo creer que acabo de escribir eso— pero fue útil para los hermanos Russo, los guionistas (Christopher Markus y Stephen McFeely) y los espectadores. Nosotros, y también ellos, debemos seguirles la pista más o menos a una decena de personajes, lo cual deja espacio para las escenas en equipo, dramáticas e irónicas, que siempre han sido el arma más potente de la franquicia.

Reseña: ‘Avengers: Endgame’: Los amigos que hicimos en veintidós entregas

Chris Hemsworth CreditMarvel Studios

El ciclo de los Vengadores quizá necesite una serie progresiva de batallas para salvar al universo del mal —cada manifestación de un villano es peor que la anterior y Thanos (Josh Brolin) es el personaje más malvado de todos— pero el motor que mantiene en marcha a la película es la amistad. Aunque eso no significa que haya armonía. Si regresamos a las primeras películas, Hulk y Thor tuvieron sus momentos de fricción, al igual que Iron Man y el Capitán América (Chris Evans).

Las rencillas personales y políticas entre esos dos personajes, que pasó por su momento álgido en Capitán America: Civil War, sigue estando ahí, por lo menos al principio. Pero el ambiente es más amable y amigable después de la profunda pena y la melancolía más sutil de lo que todos entienden como la última gran aventura. No diré mucho sobre esa aventura, aunque me parece que la estructura del argumento es menos vulnerable a ser arruinada con revelaciones que los pequeños guiños y sorpresas que suceden a lo largo de la película.

Son la recompensa de haber visto todas esas películas esperando pacientemente las probaditas que aparecían después de los créditos, coleccionando pistas ocultas mientras tus amigos enviaban mensajes de texto o tu papá tomaba una siesta, y generalmente llevando a cabo el trabajo voluntario de ser fanático de la franquicia todos estos años. ¿Valió la pena? En conjunto, tengo mis dudas, pero las carcajadas y los suspiros que escucharás en la sala durante ciertas escenas dan cuenta de la idea feliz de participación que conforma el núcleo de la experiencia moderna del fanático. En sus mejores momentos —y Endgame en algunos aspectos es lo mejor de lo mejor— el universo de los Vengadores ha sido un lugar extenso e inclusivo.

El resultado ha sido un éxito comercial. Los logros de Disney y Marvel quedarán debidamente registrados en los anales de los negocios, para que se estudien durante muchos años por venir. Ha habido variedad (películas bobas, filmes sombríos, episodios que proclaman su temática y otros que adoptan el escapismo puro) y consistencia. Cualquiera de las películas puede servir de punto de entrada y es bastante fácil formar parte del club. Jamás ha habido nada difícil ni desafiante, lo cual es una limitación y un gancho comercial a la vez.

No es probable que recordemos ninguna de las veintidós películas de la serie como una gran obra cinematográfica, porque ninguna ha intentado serlo. Es divertido saber que estos actores son capaces de mejores actuaciones, y también es satisfactorio apreciar los esfuerzos de los que quizá no lo son. Algunos directores de primera han tomado el relevo y han pulido la marca. Es más probable que sus obras maestras, pasadas y próximas, se encuentren en otros proyectos.

Aun así, Endgame es un monumento a la idoneidad, el final adecuado de un proyecto que supo cómo tener la calidad suficiente para las personas suficientes durante el tiempo suficiente. No es que todo haya terminado, claro: Disney y Marvel aún están encontrando nuevos espacios en el continuo dinero-tiempo. Sin embargo, los hermanos Russo ofrecen la idea de una conclusión, una oportunidad de apreciar lo que se ha hecho antes de que la cronología reinicie y todos comencemos de nuevo. La historia, que se trata de los viajes en el tiempo, permite algunos toques nostálgicos con los más grandes éxitos y el desenlace es como pedir otra canción al final de un gran concierto, cuando todos los músicos salen, se toman de los brazos y cantan una canción como “Will the Circle Be Unbroken”. No creías que fuera a conmoverte, pero lo logra.

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El periodismo en viñetas: otra manera de informar

Durante la crisis económica los únicos libros que no bajaron en ventas fueron los de literatura juvenil y los cómics. Aprovechamos la celebración del Salón del Cómic de Barcelona para abordar la situación del periodismo dibujado.

Una panoràmica d

Una panorámica de una antigua edición del Salón del Cómic.

Consolidado como un punto de encuentro del cómic nacional e internacional, el Salón Internacional del Cómic, rebautizado ahora como Cómic Barcelona, arranca este viernes su 37ª edición. Como siempre, el certamen es una ocasión excelente para descubrir nuevos formatos y nuevas ideas, y servirá para medir la pujanza que han logrado las obras de no ficción, entre las que se encuentran las de periodismo dibujado. En la edición de este año, Cómic Barcelona dedica una exposición a Stan Lee, un mito del sector desaparecido en noviembre del año pasado; estrena el espacio Alter Cómic para dar voz a pequeñas editoriales independientes; y tendrá una jornada para profesionales.

Las editoriales buscan innovar y mezclarse con otros géneros para acercarse al gran público. En este sentido, la directora del certamen, Meritxell Puig, considera que productos como los cómics de no ficción siempre habían existido, pero “es ahora cuando están aflorando. Este es uno de los objetivos de Cómic Barcelona: dar a conocer todo tipo de productos, que la gente sepa que hay otras cosas más allá de Spiderman y Mortadelo y Filemón“. Puig asegura que el cómic alternativo procedente de pequeñas editoriales cada vez tiene más tirón.

Expansión del formato

En los últimos años, la industria del cómic se ha visto sacudida por la expansión de los formatos. Palabra e imagen dialogan para crear nuevos productos que son muy atractivos para el gran público, como el caso de la crónica periodística ilustrada. Cada vez más se habla de los géneros híbridos que mezclan técnicas, plataformas o modos de distribución. “Pienso que nuestra época se caracteriza por la convivencia. Los lectores pedimos diferentes tipos de lectura, por lo que se mantiene la producción en diversos ámbitos, géneros y lenguajes”, asegura Jordi Carrión, escritor, periodista y codirector del Máster en Creación Literaria de la Universitat Pompeu Fabra.

El periodismo dibujado coge fuerza, como prueba la reciente publicación de la obras como la adaptación gráfica de Homenaje a Cataluña (Debate, Rosa dels Vents), de Jordi de Miguel y Andrea Lucio o Intisar en el exilio (Astiberri, 2018) , de Pedro Riera y Sagar Forniés. Una carrera de fondo iniciada en los noventa por Joe Sacco y que abrió el paso a ilustradores e ilustradoras como Zeina Abirached, Rutu Modan, Marjane Satrapi, Lapin, o Guy Delisle, que trabajan con dibujos y material procedente de la realidad para crear productos híbridos que tienen mucho crónica y poco de ficción.

Vinyeta d

Viñeta de una obra de Joe Sacco.

 

Para Pere Ortín, director de la Revista Altaïr y artífice de Viajes dibujados, donde hay crónicas ilustradas de no ficción de varios autores, no se trata de enfrentar formatos, ya que “las narrativas son siempre complementarias, y esto ayuda a los creadores y a los lectores con un sentimiento liberador “. “Puede que el periodismo dibujado refuerce la idea de un cambio necesario en aquellos que estamos cansados de un periodismo concebido y creado rápido y furioso, que no atiende a la atractiva complejidad del mundo y que dispara clichés a precio de saldo. En este sentido, en el cómic periodístico desaparece esta pesada sensación de editar, ver o leer periodismo construido como placebo existencial para sus creadores y lectores. y eso es muy positivo”, añade.

En esta línea, el cómic periodístico, ayudaría, según Ortín, a desterrar el concepto del periodista buscador de la verdad, periodista-traductor del mundo. “Todas estas perífrasis tradicionales con las que el periodismo se engañó durante años desaparecen en el cómic periodístico: aquí todo el mundo sabe que está viendo y leyendo una historia basada en hechos reales en la que los periodistas volvemos a ser lo que somos: humildes, honestos y veraces contadores de algunos de los muchos presentes posibles”.

Respecto a un posible auge del periodismo en viñetas, Carrión piensa que “la tendencia no ha crecido, se mantiene cierto interés pero somos pocos los que seguimos el camino de Joe Sacco. Hay más interés y mercado para el cómic autobiográfico que para el cómic periodístico “. En un artículo reciente en el New York Times, Carrión aseguraba: “Mientras que la no ficción en viñetas de carácter autobiográfico insiste en las formas fijadas por maestros como Robert Crumb, Art Spiegelman, David B. o Alison Bechdel, y deviene menudo bestseller (como Persépolis, de Marjane Satrapi, o El árabe del futuro, de Riad Sattouf), la de voluntad periodística no está determinada por nadie, ni siquiera por la maestría del gran Sacco. Es más extraña. Se resiste al mainstream“.

Còmics en la passada edició del Saló.

Cómics en la pasada edición del Salón.

 

También es de la misma opinión Pere Ortín: “no creo que haya un auge del cómic periodístico, pero sí creo que hay más material interesante dentro del mundo del cómic para adultos”. Para él, el gran público está empezando a cansarse de un tipo de periodismo que “con más o menos talento e independientemente de las capacidades narrativas, reincide constantemente en puntos de vista, clichés y miradas demasiado evidentes, demasiado tópicas”. En este sentido, la ilustración ofrece al periodismo una manera versátil de afrontar narrativas complejas de la realidad. “El dibujo periodístico, con su enfoque y sus procesos pausados y su mirada detallada, casi microscópica, desafía la narrativa hegemónica de los medios de comunicación convencionales” sentencia.

“El dibujo periodístico desafía la narrativa hegemónica de los medios de comunicación convencionales”

“El mejor trabajo sobre la guerra en República Centroafricana no lo ha hecho un reportero ni un medio de comunicación, sino el dibujante Didier Kassai, con Tempête sur Bangui. El mejor trabajo de denuncia de las penosas condiciones en que vive la gran mayoría de gente en Guinea Ecuatorial lo ha hecho el dibujante Ramón Esono, con La pesadilla de Obi(Traficantes de Sueños, 2016).

Retos para ilustradores y guionistas

Uno de los retos principales de un cómic periodístico es el entendimiento entre el ilustrador y el guionista. Para el dibujante Sagar Forniés, que en 2015 publicó Vagabundos de la Chatarra (Norma Editoral) con Jordi Carrión y que ahora publica Instisar en el exilio con Pedro Riera, lo más importante es no contaminar la historia: “Como en cualquier medio de comunicación, debe ser lo más transparente posible con la información, pero a la vez se debe intentar conectar con el lector a través del lenguaje del cómic”. En este proceso, periodista e ilustrador están condenados a hacer un ejercicio de empatía e intentar aprender el uno el lenguaje del otro. “Siempre he trabajado con periodistas que me han respetado mucho y que siempre han tenido las ideas muy claras», comenta.

Para el guionista Pedro Riera, poder publicar Intisar en el exilio significa una manera de contar una historia que bebe del periodismo a otro tipo de público. “Mucha gente todavía cree que el cómic es un producto para niños, pero los cómics sirven para contar historias de otra manera”. Su último libro narra las primaveras árabes y la guerra de Yemen a través de diferentes entrevistas que hizo sobre el terreno y que luego fueron ilustradas por Forniés.

A la hora de hacer recomendaciones, Jordi Carrión lo tiene claro: La Grieta (Astiberri, 2016), de Carlos Spottorno y Guillermo Abril, Oscuridades programadas: crónicas desde Turquía, Siria y Irak (Salamandra Graphic, 2017) de Sarah Glidden, El negocio de los negocios (Astiberri, 2009) de Denis Robert, Yan Lindingre y Laurent Astier, Palestina (Planeta, 2015) y Reportajes (Literatura Random House, 2012) de Joe Sacco. “Seleccionando sólo libros, sin embargo, nos dejamos las revistas, que son las plataformas más importantes de este tipo de formatos”.

Pere Ortín coincide con Carrión a la hora de mencionar Joe Sacco pero mira hacia los clásicos, como Art Spiegelman (Maus), Emmanuel Guibert (El fotógrafo, Astiberri 2011) o Igort (Cuadernos Japoneses, Salamandra Graphic 2016). “Más que citar estos sólo que ya se conocen, quiero mencionar a las revistas francesas punteras del periodismo dibujado, que me fascinan, leo con pasión y recomiendo siempre, como S.XXILa Revue dessinées o Topo Revue“. Este fin de semana, Comic Barcelona es una buena oportunidad para zambullirse en el formato.

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El superhéroe de cómic que salvó de una terrible enfermedad a miles de personas en la realidad

El Capitán América contribuyó de forma eficaz a la vacunación frente a la poliomielitis, debido a que él mismo recibió una vacuna en uno de los comics

Capitçán América, en primer término, en un fotograma de la saga «Los vengadores»
Capitçán América, en primer término, en un fotograma de la saga «Los vengadores» – Archivo

Los cuatro grandes padres de la patria estadounidense son George Washington, Thomas Jefferson, Abraham Lincoln y Franklin Delano Roosevelt. A este último, el único que conquistó el despacho oval de la Casa Blanca en cuatro ocasiones, lo recordamos en silla de ruedas, debido a las secuelas de la poliomielitis.

Se trata de una infección vírica conocida desde las primeras civilizaciones. El testimonio más antiguo que disponemos es una estela fechada en el siglo XIV a. C. en la que aparece un sacerdote egipcio -llamado Rom- con la atrofia muscular en una de sus piernas.

La parálisis y atrofia de la musculatura son las consecuencias derivadas del daño que produce el virus de la polio a nivel de la médula espinal, concretamente en las motoneuronas localizadas en el asta anterior.

La enfermedad del Capitán América

En 1940 nació en la factoría Marvel un patriótico superhéroe americano, el Capitán América. Ataviado con las barras y las estrellas, el nuevo héroe iba ataviado con un antifaz y un escudo indestructible, fabricado de la aleación de un metal extraterrestre –adamantium- y de otro que tan sólo se encuentra en África –vibranium-.

En muy poco tiempo el superhéroe consiguió conquistar el corazón de los norteamericanos. Hay que reconocer el acierto y la valentía de la editorial, porque ya en el primer número de la larga serie se nos presenta al protagonista -Steve Rogers- como un joven débil y frágil.

No en balde será rechazado para incorporarse como voluntario en el ejército de los Estados Unidos, ya que su cuerpo no es apto para la guerra, debido a que sufre una discapacidad provocada por la infección del virus de la poliomielitis.

El paralelismo con la realidad

Esta historia no era ajena a la sociedad norteamericana, la había sufrido en sus propias carnes. En el verano de 1916 hubo una gran epidemia de polio que causó en Estados Unidos más de 27.000 muertos. Se estima que sólo en la ciudad de Nueva York afectó a casi 9.000 mil personas y se cobró la vida de otras 2.000.

Muchos de los que sufrieron las secuelas de aquella epidemia leían ahora, acomodados en una silla de ruedas, las aventuras del superhéroe, estando impedidos para servir a su país en la Segunda Guerra Mundial.

Recordemos que el ataque a la base de Pearl Harbour se produjo en diciembre de 1941, un año después de que el Capitán América irrumpiera en las librerías estadounidenses. Otro dato nada desdeñable es que según el comic Steve Rogers había nacido en 1917.

A pesar de que Rogers había sido rechazado inicialmente por el ejército, rápidamente contactó con él un alto mando, el general Chester Philips, que le ofreció participar en la operación ReBirth –volver a nacer- que consistía en administrarle un suero milagroso que le devolvería la vitalidad.

Después de aquel supuesto tratamiento experimental se produjo el milagro, Rogers se convirtió en un joven nuevo, con fuerza, resistencia y agilidad insuperables. No sólo había conseguido recuperarse de las secuelas de la poliomielitis sino que, además, se había convertido en un superhéroe.

El científico que hizo posible el milagro real

En la década de los cuarenta un científico, Jonas Salk (1914-1995), estaba investigando una vacuna contra la poliomielitis, que finalmente vio la luz, con los primeros resultados exitosos, en 1952.

La vacuna se administraba de forma inyectable y se basaba en tres variedades del virus de la polio, cultivadas en el mono e inactivadas con formol. Inicialmente, la vacunación se realizó en voluntarios sanos, entre los que se encontraron el propio Salk, su mujer y su hijo. Gracias a la factoría Marvel hubo menos reticencias de las esperadas en la vacunación.

La campaña de vacunación fue un éxito y la incidencia de epidemias comenzaron a descender de forma vertiginosa: Salk se había convertido en un héroe nacional y como tal procedió. El científico rechazó patentar y mercantilizar su vacuna, no deseaba obtener réditos económicos, lo único que ambicionaba era salvar al mayor número de personas de la infección y, por ende, de sus espantosas secuelas.

Pedro Gargantilla es médico internista del Hospital de El Escorial (Madrid) y autor de varios libros de divulgación

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LA VIDA Y TRAYECTORIA INTELECTUAL DE KARL MARX SERÁN ADAPTADAS EN ANIME

LA BIOGRAFÍA KARL MAX, EL AUTOR DE ‘EL CAPITAL’ Y OTRAS OBRAS FUNDAMENTALES DEL PENSAMIENTO ECONÓMICO Y SOCIAL, LLEVADA A UNA SERIE DE ANIME
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El anime es una de las formas de animación más populares de nuestra época. Como sabemos, su origen es japonés, y es posible que el exotismo que asociamos con esa cultura sea una de las razones de nuestra atracción por dicha forma de expresión gráfica y creativa. Después de todo, en Occidente la diferencia, y aun la contradicción cultural, han sido de los grandes motores del arte y sus disciplinas. Recientemente se anunció, por ejemplo, la adaptación del universo distópico de Blade Runner, que correrá a cargo del creador de Cowboy Bebob, y también antes Los mitos de Cthulhu, de H. P. Lovecraft, ha sido llevado a dicho género.

En esta ocasión hablamos de anime para hacer referencia a una adaptación que se realizará próximamente de la vida y la obra de Karl Marx, una figura fundamental en la historia del pensamiento económico y social del ser humano, que con estudio, perseverancia e inteligencia sentó las bases para entender el sistema económico que llamamos capitalismo: sus orígenes, sus mecanismos, las razones de su existencia, etc., y con ello contribuyó enormemente a dar cuenta de las condiciones materiales que dan lugar a determinadas formas de vida. A Marx se debe, en buena medida, que podamos entender la vida así: como resultado de las circunstancias materiales que se encuentran dadas en la realidad o son obra del ser humano, pero en ningún caso están determinadas por entidades suprahumanas o divinas.

El trabajo que Marx emprendió para desarrollar estas ideas fue arduo y en muchos momentos le significó penuria. Para nadie es un secreto que a lo largo de su vida (al menos de su vida productiva) contó con el apoyo de su esposa, Jenny von Westphalen, hija de una acaudalada familia de la aristocracia prusiana, y de su amigo más cercano, Friedrich Engels, hijo de un importante empresario textil inglés. 

El trabajo intelectual no siempre es reconocido de la mejor manera, y las obras de artistas, filósofos y otro tipo de creadores se celebran una vez que sus autores han muerto y el público aprende por fin a apreciarlas. El caso de Marx no es la excepción: en vida tuvo que recurrir al “patrocinio” de Westphalen y de Engels para poder continuar con la labor de estudio e investigación que a la postre se revelaría decisiva para comprender la historia humana, y que ya en su época le valió serios diferendos con intelectuales como los anarquistas Bakunin y Proudhon, los jóvenes hegelianos y otros políticos y pensadores.

Estas y otras vicisitudes, decíamos, serán adaptadas en un anime auspiciado por el gobierno de China. La serie se realiza en el marco del 200º aniversario del nacimiento de Marx (celebrado este año), lleva por título El líder y será difundida en la plataforma bilibili.com (aunque todavía no se sabe la fecha de su estreno). Hasta el momento sólo se conoce un avance, que ya ha generado cierto interés.

A propósito, recordemos que El capital, la obra cumbre de Marx, tuvo una adaptación reciente en manga (el equivalente en historieta del anime), misma que fue publicada en español en 2013 por la editorial Herder, en una edición de dos tomos. Asimismo, el año pasado se estrenó la cinta El joven Marx, dirigida por Raoul Peck (2017), que se enfoca en la época anterior a la redacción del Manifiesto del Partido Comunista, cuando Marx abandonó la concepción “idealista” de la realidad y se dio cuenta de que ésta se explica sólo a través de sus condiciones materiales.

En cuanto a la adaptación china, es probable que no esté exenta de fines propagandísticos, pero sin duda vale la pena conocerla. 

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‘BLADE RUNNER’ SERÁ ADAPTADA COMO SERIE DE ANIME POR EL DIRECTOR DE ‘COWBOY BEBOP

UN PROYECTO AMBICIOSO PARA AMPLIAR EL UNIVERSO ‘BLADE RUNNER’
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Esta noticia sin duda complacerá tanto a los amantes del anime como a los de la ciencia ficción, que si bien no necesariamente son los mismos, encontrarán una satisfacción común en la realización de este proyecto.

Se trata de la adaptación de Blade Runner como una serie de anime. Como sabemos, este mítico título tiene su origen en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, en la que el autor exploró el problema de la identidad humana (y la posibilidad de que una inteligencia artificial pudiera imitarla) bajo las claves de un universo futurista y distópico. La obra fue llevada al cine en 1982 por Ridley Scott, con resultados que de inicio fueron poco comprendidos pero que poco a poco, conforme pasaron los años, revelaron el gran trabajo cinematográfico que había realizado el director. Finalmente, el año pasado, se presentó una secuela: Blade Runner 2049, dirigida por Denis Villeneuve, que retoma la línea narrativa dejada por el clásico de los años 80.

En esa línea, ahora la estafeta ha sido otorgada a Shinichiro Watanabe, animador conocido en el mundo del anime sobre todo por la serie Cowboy Bebop (1997-1998), ampliamente celebrada por su capacidad para combinar los motivos de la estética western y noir con la animación japonesa. Por este trabajo, Watanabe parece un candidato más que idóneo para dar nuevos aires al universo de Blade Runner.

La adaptación será en este caso en un formato de serie cuyo título será Blade Runner—Black Lotus. Cronológicamente, contará hechos que ocurren en el año 2032, esto es, entre el cortometraje Black Out 2022 (que compartimos a continuación) y la cinta Blade Runner 2049.

Cabe mencionar que el cortometraje referido y otros dos conforman tres antecedentes dados a conocer recientemente a través de Internet, sin duda con el fin de conformar poco a poco una suerte de microuniverso en torno a Blade Runner y hacer de ésta una franquicia.

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El lado oscuro de Stan Lee que no conocías

lado oscuro de stan lee

Stan Lee no creó por su cuenta a los X-Men, ni a Spider-Man y se encargó de reducir el crédito a sus compañeros. Era el Steve Jobs de los cómics.

Se dice que no puedes llegar muy alto sin traicionar a unas cuántas personas en el camino. Stan Lee es la prueba más fiel de ello. Aunque la gente actualmente lo alaba como uno de los creadores más importantes del Siglo XX y “el contribuidor más ávido a la cultura popular”, Stan Lee tuvo que trabajar muy duro para ello. Con eso nos referimos a que tuvo que hundir algunos nombres en el camino y mantener una imagen positiva todo el tiempo para mantener ese estatus, ocultando un lado oscuro que sólo unos pocos conocían.

Claro, su legado será intachable, pero tenemos que recordar lo siguiente, para darnos cuenta que para convertirse en un ícono, es necesario apuñalar unas cuántas espaldas.

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Su historia con Jack Kirby y Steve Ditko, los verdaderos héroes

Asimismo, desde que comenzaron a trabajar, Stan Lee decía que era el creador individual de todo, y así lo acreditaba Marvel, ya que Lee usaba el ahora llamado “Método Marvel”, el cual hacía que los escritores líderes se quedaran con el crédito de todo sin haber realizado el verdadero trabajo de realizar una historia. En 1968, en entrevista Lee explicó que realizar un cómic consistía en pensar en una historia rápida, darle los “beats” al ilustrador y dejar que el artista creara la historia, sólo para llenar los cuadros de diálogo después. Entonces, llegó a un punto en el que creaba el concepto de un personaje y dejaba que Kirby pensara en todo lo demás, incluyendo en un guión gráfico entero que sólo tendría que ser llenado con palabras.

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Lo mismo sucedió con Steve Ditko cuando “creó” Doctor Strange y Spider-Man. Desde su concepción, Lee se ha acreditado la creación de los personajes, afirmando que Ditko sólo fue el dibujante, demostrando que el escritor no conoce el proceso colaborativo. Lee no era un artista y no diseñó a los personajes, sino el mismo Ditko. De hecho, en un documental sobre el dibujante, Lee dijo que sigue sin pensar que el hombre fuera co-creador, y a pesar de que el entrevistador le dice que si hubiera sido dibujado diferente no sería un éxito, Lee se mantuvo firme sobre su opinión.

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Aunado a esto, algunos expertos en cómics han puesto en duda las razones por las cuales los créditos en los cómics siempre cambiaban, y apuntan a que posiblemente Stan Lee los escribía de tal forma en que pareciera que su involucramiento era más profundo, en especial en los cómics con mejor recepción. En algunos decía “escrito por”, en otros “guionista”, en otros “script por”, mientras que Kirby sólo recibía el crédito de artista, a pesar de ser responsable de algunas de las historias. Lee declaró en otra entrevista que a veces sólo le decía al dibujante “¡Quiero al Dr. Doom en el siguiente número!”, y Kirby tenía que hacerse cargo de ello.

Cuando eran cuestionados, Kirby y Ditko, siempre afirmaban que su trabajo había sido colaborativo con Lee, mientras que Lee buscaba tener crédito absoluto. Algunas otras historias apuntan a un Stan Lee inseguro que siempre pensó que sería visto como alguien que subió en Marvel con ayuda de “hombres más grandes”, lo cual sucedió al inicio de su carrera, así que eso lo convirtió en un ególatra y en un jefe abusivo con algunos de sus empleados, como ha sido reportado.

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Jack Kirby es el principal responsable de la mayoría de los cómics de X-Men, los Cuatro Fantásticos, y Hulk. Junto con Joe Simon creó al Capitán América. Por su parte, Ditko se merece el diseño y la imagen de Spider-Man y Doctor Strange, todos personajes que comúnmente son atribuidos a Lee. Era el Steve Jobs de los cómics.

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Mary Jane murió de cáncer por su exposición al semen radioactivo de Spiderman

Strambotic

Mary Jane murió de cáncer por su exposición al semen radioactivo de Spiderman

Ahora que tan en boga está el hombre-araña, con todos sus detractores animados a cargar contra él con una inmensa batería de datos científicos que no podría rebatir el superhéroe de Marvel, es el momento de sacar más trapos sucios. Poco importa que pudiera o no trepar, solo con sus manos, las paredes de un edificio o caminar por el techo. Lo verdaderamente importante en toda la trama protagonizada por Peter Parker es cómo el personaje de Stan Lee (D.E.P.) y Steve Ditko iba sembrando el caos, no solo con sus telas de araña, sino también con su semen.

Ocurrió en ‘Spider-Man: Reign‘, una serie limitada de cuatro cómics escrita e ilustrada por Kaare Andrews que vio la luz entre diciembre de 2006 y marzo de 2007. En ella, la firma Marvel trasladaba el mundo de Spiderman a una distopía en la que Peter Parker es tan solo otro habitante más de una ciudad de Nueva York en la que ya no existen superhéroes ni villanos. No obstante, un niño que aparece en escena, una pintada en la pared dirigida al hombre araña con la que le preguntan “¿A dónde te fuiste?” y la insistencia de J. Jonah Jameson, su antiguo jefe en el Daily Bugle, le hacen reencontrarse con su destino.

Efectivamente, al ver algunos de sus antiguos trajes decide volver a enfundarse sus mallas para salir a combatir el crimen. El alcalde Waters, que era entonces quien tenía el control de Nueva York, decide crear un escuadrón de seis supervillanos que den caza a Spiderman. Así, rescata las versiones de ElectroMysterioEl CazadorKraven, El Hombre de Arena y Scorpion.

A lo largo de toda la trama, Peter Parker tiene visiones con su amada Mary Jane Watson. Ella está presente en multitud de viñetas y es la gran protagonista de uno de los pasajes más dramáticos y esperpénticos de la historia de los cómics de Marvel. Por si no fuera suficiente con sobrevivir al ataque de hasta seis archienemigos dispuestos a acabar con Spiderman, de debajo de la tierra surgen los tentáculos robóticos del doctor Otto Octavius que estaban programados para darle motivos a Spiderman para volver a la acción.

Mary Jane murió de cáncer por su exposición al semen radioactivo de Spiderman

Es él precisamente quien le muestra a Peter Parker las tumbas de su tía May, su tío Ben y, por supuesto, el lugar donde yace el cuerpo de Mary Jane. Y es aquí, en este instante, donde se marca un antes y un después en el devenir de la trama de Spiderman. Porque, al mostrar el cuerpo de la que fuera su amada, el protagonista del cómic recuerda el motivo por el que murió. Efectivamente, no fue algo natural.

Algo en lo que nadie pensó jamás acerca del picotazo de aquella araña radioactiva que dio poderes a Peter es que, más allá de permitirle lanzar telarañas y escalar edificios, hubo más reacciones en su cuerpo. Las células radioactivas presentes en la sangre del protagonista hicieron que no solamente pudiera combatir el caos, sino que también se expusiera a un riesgo terrible al tener relaciones sexuales con su amada Mary Jane.

Cuando esto ocurría, el semen de Peter contaminaba el cuerpo de su compañera de aventuras. Así, en ‘Spider-Man: Reign‘, Parker rememora cómo perdió a su pareja y nos muestra esta realidad, tan lógica por una parte y esperpéntica por otra, que dibujó Kaare Andrews. Pero aún había más.

Por si no fuera suficiente el daño que inflingió al cuerpo de Mary Jane Watson con la carga radiactiva que portaba en su cuerpo, Peter Parker antepuso su obsesión por cumplir con su deber cuando ella agonizaba en su lecho de muerte y optó por dejarla sola para ir a combatir el mal mientras la vida de ella tocaba a su fin por culpa de su maldito semen. De hecho, al regresar de la trifulca que hubo en la ciudad, su amada se marchó para siempre.

Mary Jane murió de cáncer por su exposición al semen radioactivo de Spiderman

Obviamente, para evitar ‘spoilers’ innecesarios, no contaremos lo que sucede en esta serie limitada de cómics de Kaare Andrews. Como solía ocurrir en cada trama, al caer en la cuenta del daño que había causado a sus seres queridos, Peter Parker se replanteaba deshacerse de Spiderman para regresar al poco tiempo, enfudarse la malla y evitar que los malvados hicieran lo que les viniera en gana.

En cualquier caso, el semen radiactivo de Spiderman no es la única sorpresa que aguarda en los cómics de este superhéroe de Marvel. La boda de su tía May con el doctor Octopus o el pacto entre el hombre-araña y el mismísimo Belcebú son algunas de las más destacadas genialidades que pasaron por la mente de los guionistas y dibujantes que dieron vida a este personaje de ficción. ¿Quién no quiso de pequeño escalar edificios y lanzar telarañas? Eso sí, a medida que pasa el tiempo y vamos conociéndolo, menos nos seduce la idea de que nos pique una araña radioactiva. Mejor quedarnos como estamos, caminando con los pies por el suelo.

Con información de Marvel.WikiaElConfidencialSpiderman.Wikia y ABC.

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